“Backup” del artículo original “Tot el que volies saber sobre Intel·ligència Artificial i segueixes sense saber” publicado por Roberta Bosco el 20 octubre 2023 en El Temps de les Arts.
Una mostra enciclopèdica al CCCB esbossa la història de la IA i intenta respondre als interrogants ètics i pràctics sobre aquesta tecnologia.
IA: Intel·ligència Artificial CCCB (Centre de Cultura Contemporània de Barcelona)
Fins al 17 de març de 2024
La màquina espera el visitant en un espai fosc. No té aparença antropomòrfica, no hi ha teclat ni altres dispositius per interactuar, tampoc cal parlar-li. La seva funció és explorar la interacció directa entre humans i intel·ligència artificial a través de la comunicació sensorial i emotiva no verbal, expressada mitjançant els moviments que articulen el nostre llenguatge corporal. L’obra és com un nadó que acaba de néixer i comença a descobrir el món i a aprendre. De moment reconeix les emocions més bàsiques com a enuig o alegria, però cada dia i a través de cada visita anirà aprenent, fins a desenvolupar coneixements cada cop més complexos i sofisticats. Es tracta de Common AI Verse, l’obra que Solimán López ha creat amb el suport d’Espronceda Institute of Art & Culture, ex professo per a la gran mostra IA: Intel·ligència Artificial, que s’acaba d’inaugurar al Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB ).
L’exposició, oberta fins al 17 de març, es basa en un projecte d’èxit del Barbican Centre de Londres del 2019, al qual s’han afegit algunes obres d’artistes espanyols, comissariades per Lluís Nacenta. A més de la peça de Solimán López, destaquen al principi del recorregut la d’Eduard Escoffet i al final la de María Arnal. Es tracta de dues obres sonores. Eco i l’oracle d’Escoffet ocupa una mena de petita capelleta on una cacofonia de veus (en realitat sempre és la de l’artista) desgrana cada dia totes les notícies sobre IA, que es van integrant a una partitura, de manera que la peça, que es reprodueix cada 30 minuts, és sempre diferent. Al final, en una petita sala d’enregistrament, la reproducció sintètica de la veu de Maria Arnal harmonitza en temps real amb els fragments cantats pels visitants, formant un cor híbrid humà-digital, que evolucionarà al llarg de tota l’exposició. La peça posa de manifest com els models de síntesi de veu canvien radicalment el paradigma del significat del cant, així com ChatGPT i altres recursos similars estan modificant l’escriptura sigui assaig, periodisme o narrativa.
Tot i que sembla haver eclosionat només ara, la IA és una tecnologia d’arrels centenàries i la mostra ho reflecteix en un recorregut de tall històric, que intenta abastar-ho tot, sense arribar a ser exhaustiva. El muntatge ocupa un espai que al meu entendre hauria hagut de ser el doble. Resulta tan dens i complex, que el visitant acaba recolzant-se en el que ja coneix des del gólem, Frankenstein, els replicants de Blade Runner i l’androide d’Alien, passant per una reproducció de la màquina de xifrat Enigma i els circuits de Deep Blue, l’ordinador que va vèncer el campió d’escacs Garri Kasparov, fins als robots antropomorfs i el gos Aibo, ja vist tantes vegades que ni emociona quan intenta donar-te la poteta.
Mentre els museòlegs més capdavanters qüestionen l’enfocament enciclopèdic, la mostra del CCCB representa el triomf d’aquest plantejament. Hi ha de tot i tot plegat: pots aspirar l’olor reconstruïda d’una flor extinta fa més d’un segle, contemplar un nas bioimprès en 3D, un rusc artificial i fins i tot un esprai que conté, segons diuen, l’ADN sintètic d’un àlbum de Massive Attack. El tall és el d’un museu de la ciència i, tot i que si els busques bé pots trobar els dubtes ètics i pràctics que planteja l’ús indiscriminat de la IA, és evident que ha arribat per quedar-s’hi i sobretot per generar més diners al capital.
I l’art? L’art queda diluït, perdut, indistingible en l’allau d’objectes, de manera que la seva càrrega crítica, quan en té, queda desactivada per l’aclaparador display tecnològic, com si ser una obra d’art no fos suficient sense la justificació i l’exaltació de la tecnologia que la sustenta… com si les obres de pop art s’exposessin envoltades de la història de la pintura acrílica.
Entretinguda, interessant, aclaparadora, angoixant, complexa i confusa, són alguns dels adjectius captats al vol durant la visita reservada a la premsa, que tenia l’avantatge de comptar amb les explicacions de l’equip del centre, encapçalat pel seu assessor científic Jordi Torres, del Barcelona Supercomputing Center, autor del llibre La intel·ligència artificial explicada als humans. Finalment, el que queda clar és que la IA és emanació de la intel·ligència biològica, de la qual aprèn i de la qual s’alimenta. Pot recordar més que nosaltres i elaborar moltíssimes més informació, així que és més que lícit preguntar-se on resideix el punt de presa de consciència d’una entitat intel·ligent… si possible sense paranoia ni angoixes.
DECIDIM FEST 2023: Intel·ligència Artificial vs Intel·ligència Col·lectiva
L’obertura de la mostra ha coincidit amb la inauguració del Decidim Fest 2023, que ha omplert durant tres dies el Canòdrom de presentacions i debats sota el lema Democràcia, tecnologia i intel·ligència artificial col·lectiva.
DECIDIM FEST 2023
Democràcia, tecnologia i intel·ligència artificial col·lectiva
Canòdrom Ateneu d’Innovació Digital i Democràtica de Barcelona
18,19 i 20 d’octubre de 2023 https://meta.decidim.org
El festival, organitzat per la comunitat Decidim, ha plantejat processos de reflexió sobre democràcia i tecnologia, abordant les implicacions de la IA a la vida quotidiana i els riscos que comporta el seu ús, que pot arribar a ser fraudulent, afectant les formes de governar la societat, la veracitat de la informació i el coneixement i fins i tot els drets fonamentals de la ciutadania. Decidim és una plataforma de codi lliure per a la participació ciutadana, creada per la comunitat homònima i l’Ajuntament de Barcelona, el 2016. Actualment, ha estat implementada a 30 països per governs locals i institucions molt diverses, en total més de 450. Es tracta d’un exemple perfecte de com un software creat a Catalunya s’està usant a tot el món, exportant un model propi de participació i convertint-se en una referència global de tecnologia lliure i democràtica.
Plazas limitadas. Inscripción previa a partir del 2 de diciembreaquí.
COLOQUIO ENTORNO DEL TECNOFEMINISMO
La brecha de género se extiende también al acceso a las tecnologías digitales. La visión tecnocéntrica nos lleva a pensar que la tecnología es neutral, pero la deriva tecnológica muestra un mundo desigual en el que los mecanismos de control se encuentran en manos sexistas. Como mujeres queremos contribuir a que los espacios digitales respeten la igualdad de derechos y oportunidades.
Tres mujeres expertas en el acceso y uso de la tecnología digital valorarán el encaje del mundo cotidiano en el mundo digital desde una perspectiva de género, y debatirán si el espacio digital es, o puede ser, un espacio de empoderamiento , de formación, de crítica y de trabajo para las mujeres.
Desde sus experiencias y proyectos, las ponentes nos acercarán a otras visiones que subvierten las políticas digitales establecidas como normativas y nos ayudarán a conocer otras prácticas tecnológicas como la reparación y la transición ecológica y económica, la digitalización soberana y democrática de Europa y la inclusión de la perspectiva de género en el diseño de la tecnología.
Este debate amplía y continúa el debate incluido en la anterior edición de ECOSS dentro del eje temático “La De(s)colonización de las Tecnologías Digitales”.
PONENTES
Blanca Callén(Cataluña) > Doctora en Psicología Social (UAB, 2010). Profesora lectora del Departamento de Psicología Social de la Universidad Autónoma de Barcelona y miembro del grupo de investigación CareNet (UOC). Ha sido investigadora postdoctoral en el Centro for Science Studies (Lancaster University, 2012-2014). Trabaja en el área de los Estudios Sociales de la Ciencia y la Tecnología (STS) y la acción política colectiva, desde perspectivas feministas y participativas, y metodologías con objetos. Su investigación se centra en las culturas materiales y respuestas comunitarias a la crisis ecosocial. En los últimos años, ha investigado sobre residuos (electrónicos) y culturas de reparación en un contexto de crisis climática, tanto en el ámbito de usuarios como de infraestructuras de telefonía móvil. Cofundadora y miembro del colectivo Restarters BCN, dedicado a la promoción de las culturas de la reparación y la transición ecológica y económica en Barcelona. www.therestartproject.org/groups/restarters-barcelona
Simona Levi / Instituto para la Digitalización Democrática(Cataluña) > Directora de teatro, dramaturga, estratega tecno política, activista y docente, en el 2017 la revista Rolling Stone eligió a Simona Levi como una de las 25 personas que están dando forma al futuro. Desde 2018 diseña y codirige el Curso de Postgrado en Tecnopolítica y Derechos en la Era Digital, primero en la Universidad Pompeu Fabra, y después en la Universidad de Barcelona. Es iniciadora de proyectos como Xnet – Instituto para la digitalización democrática y los derechos digitales – o 15MPARATO, que ha impulsado el caso Bankia, de las tarjetas black, que ha llevado a la condena de 65 políticos y banqueros.
En 2021, publicó para la Oficina de Publicaciones de la Unión Europea el informe Propuesta para una digitalización soberana y democrática de Europa a solicitud del Presidente del Parlamento Europeo. Xnet es una red de especialistas y activistas que realiza acciones y propone soluciones avanzadas en distintos campos relacionados con los derechos digitales y la actualización de la democracia en el siglo XXI.
Desde 2008, por un Internet libre y una democracia real. www.xnet-x.net/ca
Thais Ruiz(Cataluña) > Fundadora y directora ejecutiva de Digitalfems. Licenciada en derecho, posgrado en Teoría Social y Política y Políticas Públicas Culturales, es experta en innovación digital, consultora y ponente tech y directora de proyectos relacionados con la tecnología, fecha y derechos digitales, género y ciberfeminismo. Digitalfems es una organización sin ánimo de lucro que trabaja por una mayor presencia de mujeres en entornos tecnológicos y para aumentar la presencia de perspectiva de género en el diseño de la tecnología, ofreciendo servicios a organizaciones, administraciones públicas y comunidades tecnológicas. www.digitalfems.org
MODERA La periodista Roberta Bosco conducirá la conversación con las ponentes para contrastar miradas y recorridos explorados en la sesión.
Roberta Bosco(Cataluña) > Periodista de origen italiano, especializada en arte contemporáneo y cultura digital, comisaria de exposiciones y docente. Escribe regularmente sobre arte y cultura digital en el diario El País y es cocreadora del blog El arte en la Edad del Silicio. Es corresponsal desde España de Il Giornale dell’Arte, la principal revista de arte italiana y colabora con diversos medios como El Temps de les Arts. Ha comisariado varias exposiciones con Stefano Caldana, como Conexión Remota en el MACBA, la primera exposición de net.art en un museo español, Digital Jam y Web as Canvas en el CCCB, Donkijote en Laboral, centro de arte de Gijón y más recientemente Harddiskmuseum in Virtual Reality en el Arts Santa Mònica, Faces en Es Baluard Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Palma, Origen en Cal Massó de Reus con motivo de ISEA2022 y Conexión remota, en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). www.arteedadsilicio.com
:: Topografías de las memorias – Festival Panoràmic ::
Topografías de las memorias es una instalación surgida del diálogo entre Mayoral de acero: destajo de Sandra Rengifo con la colaboración de Kostas Tsanakas y Maqueta entrenada de Roc Parés, con la curaduría de Roberta Bosco y Fernando Cuevas Ulitzsch.
Horarios
De martes a viernes de de 17.00 a 20.00 horas
Sábados de 10.00 a 13.00 horas
Inauguración
– Jueves 24 de octubre (Barcelona) 19.00 horas
con los artistas Roc Parés y Sandra Rengifo, y los comisarios Roberta Bosco y
Fernando Cuevas Ulitzsch (19 horas Fundació Lluís Coromina)
– Domingo 27 de octubre 12.00 horas Visita comentada acompañada por artistas y comisarios de la exposición “Topografías de las memorias” a cargo de los comisarios Roberta Bosco, Fernando Cuevas Ulitzsch, los artistas Sandra Rengifo, Roc Parés y Kostas Tsanakas.
– Miércoles 30 de octubre 12.00 horas
Visita a la exposición Topografías de las memorias en la Fundació Lluís Coromina con la presencia de los artistas Roc Parés, Sandra Rengifo, Kostas Tsanakas y los comisarios Roberta Bosco y Fernando Cuevas Ulitzsch.
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TOPOGRAFÍAS DE LAS MEMORIAS
por Roberta Bosco y Fernando Cuevas Ulitzsch
Como en un viaje de ida y vuelta, dos artistas Roc Parés y Sandra Rengifo, separados por un océano y unidos por una imparable conexión mental, se juntan para crear dos obras inéditas a partir de propuestas ya presentes (o latentes).
La primera Geopoieisis: derivas y confluencias en las imaginerías electrónicas, que se presentó en el Centro Nacional de las Artes de Bogotá, en el marco del Festival de la Imagen, arrancaba a partir de la performance audiovisual Deriva360 de Roc Parés y se formalizó en el encuentro con AtmoSphaira de Sandra Rengifo.
La segunda Topografías de las memorias, que se presentará en el Espai Isern Dalmau de la Fundació Lluís Coromina durante el festival Panoràmic, parte del proyecto fotográfico, pictórico e instalativo Mayoral de acero: destajo, de Sandra Rengifo en colaboración con Kostas Tsanakas y se plasma a través del diálogo con la instalación interactiva Maqueta entrenada de Roc Parés.
Mayoral de acero: destajo explora el silencio y la pérdida, abraza visualmente seres, máquinas y naturaleza. Sus imágenes hablan de cuerpos que cargan peso y gravedad, de una revolución que se quedó a medio camino, de caña crecida en la sangre de los silenciados que la cultivan, de la normalidad que gente muera por sindicalizarse, de niños que a falta de luz aprendieron a crear música, de la nostalgia de guardias de noche y viejos ferroviarios, del hombre sin tierra que llega a ser tierra sin hombre, de campanarios que no fueron edificados para ser iglesias, de esclavos subyugados y latigados por el ferrocarril que ellos mismos construyeron.
En la propuesta de Roc Parés, el Caribe toma forma tridimensional en una instalación interactiva que plantea las idiosincrasias y estereotipos en que basamos nuestros relatos. Maqueta entrenada despliega la típica iconografía caribeña en una maqueta ferroviaria antigua, dotada de recursos tecnológicos contemporáneos, como una cámara de vídeo incrustada en la vieja locomotora que trasmite las imágenes de su recorrido a una computadora entrenada, de allí el nombre, para detectar los elementos de la escenas en tiempo real. La chimenea del ingenio, los vagones repletos de caña de azúcar, los bohíos, las matas de tabaco y la inquietante dualidad de los personajes, esclavos agotados o cimarrones en busca de libertad, campesinos con machetes y señoritos con vestimentas europeas del siglo XIX, conforman un paisaje que el visitante puede modificar, desplazando los objetos de la maqueta. Cada elemento además está asociado a un sonido, de modo que con sus intervenciones el público puede reconfigurar tanto el panorama visual como sonoro.
Estas dos miradas condensan el planteamiento de un proyecto coral, dialogado y empático que ha contado durante todo el proceso con la curaduría compartida de Roberta Bosco y Fernando Cuevas Ulitzsch, un proyecto que ha dado lugar a dos obras inéditas y se ha materializado a través de un diálogo increíblemente fluido y vital, que ha ido mucho más allá de la propia producción de las piezas.
Ambas obras hablan de territorio y paisaje y de quienes lo habitan, de nuestra forma como seres humanos de vivirlo, disfrutarlo, pero también violentarlo. A través de imágenes, sonidos, olores y las historias de las personas cuyas voces han sido silenciadas, las dos obras hablan de memoria y pérdida, de ideales y decepciones, de cómo elementos sencillos casi nimios en el conjunto de la realidad de pronto pueden cobrar una importancia decisiva. Son aquellos hechos, situaciones o emociones, que de tan habituales ya pasan desapercibidos, pese a su significación intrínseca. Y así, siguiendo los raíles de un tren (tren de esclavos, tren de juguete, tren de señores y tren de trabajadores) se habla también de representación y de la importancia de representar y contar las historias desde otras perspectivas, para que las generaciones siguientes sepan que la verdad tiene muchas caras y la mentira aún más.
«Mayoral de acero: destajo» de Sandra Rengifo y Kostas Tsanakas
Roc Parés (www.roc-pares.net) (www.instagram.com/mentalrural)
Roc Parés Burguès (Ciudad de México, 1968) es artista investigador en comunicación interactiva. Comprometido con una cultura interdisciplinaria, que defiende por su potencial emancipador, ha explorado las intersecciones entre arte, ciencia, tecnología y sociedad. Su experimentación poética y crítica con los medios digitales se ha expuesto y publicado internacionalmente. Es doctor en Comunicación Audiovisual (UPF) y licenciado en Bellas Artes (UB). Asimismo, es creador artístico honorífico del Sistema Nacional de Creadores de Arte de FONCA (México).
Sandra Rengifo (www.instagram.com/oldnewflesh)
Sandra Rengifo (Bogotá 1979) artista plástica de la Academia Superior de Artes de Bogotá y Magíster en Artes Visuales de la Universidad Nacional de Colombia..
Actualment exerceix com a docent de la Actualmente se desempeña como docente de la Pontificia Universidad Javeriana de Colombia, la Universidad Jorge Tadeo Lozano y la Universidad de los Andes,así como Directora de Arte para danza, videos y largometrajes. Del mismo modo, ha realizado diseños museográficos, videoclips y proyectos curatoriales para diversos artistas y entidades nacionales e internacionales. Su trabajo como artista audiovisual, fotógrafa y pintora ha sido expuesto en varios espacios y eventos como el Museo de Arte Moderno MAMBO, Museo de Arte Moderno de Medellín MAMM, Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, Museo La Tertulia en Cali, Cinemateca Distrital de Bogotá, el MAMU en Bogotá, el Festival de Cine L’ alternativa de Barcelona, Danish Film Institute, Festival del cine Panorama Colombia Berlín, Bienal de Artes Mediales en Alemania Anhydrite, entre otros.
Ganadora del Premio Nuevos Nombres Jóvenes Talentos de la Alianza Francesa 2010, Premio Arte Cámara 2015 y Premio de Creación Artista de Trayectoria Intermedia del Ministerio de Cultura de Colombia 2017, entre otras menciones de honor.
Kostas Tsanakas (www.instagram.com/kostas_tsanakas) Kostas Tsanakas (Atenas, 1972) es fotógrafo radicado en Berlín. Creció en una ciudad pequeña, flagelada por el viento del norte y un conflicto étnico de baja intensidad. Un día en la playa con cámara en mano, su papá le mostró qué era un diafragma y qué era un fragmento de tiempo. Estudió pedagogía social en Alemania, filología árabe y ciencias islámicas en España, ciencias políticas en el Reino Unido, la República Checa y España, e interpretación de conferencias en Grecia. Trabajó como asistente social, profesor de alemán, traductor e intérprete simultáneo, selector de música y barman. Sus fotos han sido expuestas en varios eventos en Alemania, Colombia, España, Estados Unidos, Grecia y Macedonia del Norte.
Roberta Bosco (https://arteedadsilicio.com) (www.instagram.com/_roberta.bosco_)
Roberta Bosco es una periodista, comisaria de exposiciones, investigadora y docente, especializada en arte contemporáneo, arte electrónico y cultura digital. Desde 1998 escribe en el diario El País, donde durante 12 años tuvo una sección semanal sobre arte y nuevas tecnologías. Es corresponsal desde España de Il Giornale dell’Arte, la principal revista de arte italiana y colabora en numerosas publicaciones. Ha comisariado diversas exposiciones de arte digital en varias instituciones y museos (CCCB, Macba, DHub, Arts Santa Mònica, ARCOmadrid) y formado parte de numerosos jurados. Entre sus proyectos destacan: la exposición Orígenes en el marco de ISEA 2022, el 27° International Symposium on Electronic Art, en Barcelona; Faces. Un diálogo entre la Colección Es Baluard y la Colección BEEP de Arte Electrónico en Es Baluard de Palma de Mallorca; la exposición expandida e itinerante Donkijote.org en Laboral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón y Conexión Remota en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba), la primera exposición de net.art en un museo español.
Fernando Cuevas Ulitzsch (www.instagram.com/fcuevasu74)
Fernando Cuevas Ulitzsch Es gestor cultural, curador y creador, experto en conectar la expresión estética de la experiencia humana con múltiples audiencias. Como generador de audiencias y comunidades, su experiencia en programación musical, curaduría (musical y plástica), comunicación estratégica y circulación con comunidades académicas y espacios y audiencias artísticas, le han permitido liderar exitosamente procesos de: relanzamiento de espacios e iniciativas culturales, diseño, gestión y ejecución de programación artística, musical y cultural, visibilidad comunicativa y relaciones interinstitucionales.
A lo largo de su experiencia profesional, desarrolleó y expuso continuamente su trabajo artístico personal (fotografía, dibujo, escritura, escultura e instalación), el cual ha sido presentado con gran éxito en numerosas Galerías, Centros Culturales, Museos y universidades de Colombia y Europa, en más de 29 exposiciones individuales y colectivas. Sus 26 años de trabajo especializado pueden poner mucho razonamiento en una experiencia estética, pero la alegría de una comunidad, como la colombiana, al descubrir nuevas piezas sinfónicas jóvenes y vibrantes, o las profundidades de un arte legado y olvidado, es lo que le impulsa e invita a crecer y perseguir nuevos desafíos.
«Topografías de las memorias» – Las noticias más destacadas en la PRENSA
Bonart Derives en temps de geolocalització (Article en edició PDF – Bonart num. 200 – Sept 2024 / Feb 2025) por Roberta Bosco
Gracies a la col·laboració entre el Festival Panoramic de Granollers i Barcelona i el Festival de la Imatge de Manizales i Bogotà, un dels més longeus i prestigiosos de l’América Llatina, dos artistes, Roc Parés i Sandra Rengifo. i dos comissaris, Roberta Bosco i Fernando Cuevas Ulitzsch de Catalunya i Colombia, es van ajuntar per crear dos projectes.
El Punt Avui Un viatge artístic aliat catalanocolombià (11-12-2024)
Un telèfon mòbil amb una càmera de 360 graus lligat a un pom de globus inflats amb heli va ser l’inici, el maig passat, d’un projecte artístic d’alta volada pensat i fet en una aliança catalanocolombiana. El dispositiu, de rumb impredictible i amb destí al desconegut, va retransmetre en directe les imatges esfèriques des de Colòmbia estant, complint el desig del seu creador, l’artista català Roc Parés, de propagar el missatge que el cel és un terreny fèrtil per a la imaginació…
RNE Escribano Palustre
Entrevista para Escribano Palustre de Radio Nacional de España con Sandra Rengifo y Roberta Bosco. (03 -11-2024)
RNE Radio 4
Topografias de las memorias RNE Serveis informatius Radio 4 Migdia (01-11-2024)
Exibart Sandra Rengifo y Roc Parés presentan ‘Topografías de las memorias’, en Fundació Lluís Coromina (Barcelona) (28-10-2024)
La simulació d’una vella locomotora de vapor feta a petita escala fa voltes una vegada i una altra a l’Espai Isern Dalmau de la Fundació Coromina. La instal·lació interactiva Maqueta entrenada de l’artista Roc Parés comprèn, a través d’una contraposició entre la maqueta ferroviària, la tecnologia, la sonoritat i la iconologia, una complexa i profunda reflexió al voltant dels estereotips en què basem els nostres relats i les violències provocades per la indústria de la canya de sucre i de tabac.
Bonart Topografías de las memorias’ y las historias silenciadas (25-10-2024) por Maria Roca-Sastre
El Espacio Isern Dalmau de la Fundación Lluís Coromina acoge la exposición ‘Topografías de las memorias’, inaugurando al mismo tiempo la programación del festival Panorámico 2024 en Barcelona, después de inaugurar varias exposiciones en Granollers hace unas semanas.
Esta muestra, abierta hasta el 4 de enero, reúne las visiones creativas de Roc Parés y Sandra Rengifo , y ofrece un diálogo entre sus obras bajo la curaduría de Roberta Bosco y Fernando Cuevas Ulitzsch.
Nuvol El Panoràmic i els escenaris del món contemporani (25-10-2024) por Maria Roca-Sastre
La simulació d’una vella locomotora de vapor feta a petita escala fa voltes una vegada i una altra a l’Espai Isern Dalmau de la Fundació Coromina. La instal·lació interactiva Maqueta entrenada de l’artista Roc Parés comprèn, a través d’una contraposició entre la maqueta ferroviària, la tecnologia, la sonoritat i la iconologia, una complexa i profunda reflexió al voltant dels estereotips en què basem els nostres relats i les violències provocades per la indústria de la canya de sucre i de tabac.
La Vanguardia El festival Panoràmic posa el focus en “l’explotació i aniquilació” de l’Amèrica Llatina durant la Revolució Industrial (24-10-2024)
El festival Panoràmic ha presentat aquest dijous la instal·lació inèdita de Roc Parés, Sandra Rengifo i la col·laboració Kostas Tsanakas que es podrà veure fins al 4 de gener a la Fundació Lluís Coromina – Espai Isern Dalmau de Barcelona. Sota el títol ‘Topografías de las memorias’ es tracta d’una exposició amb fotografia, vídeo i una maqueta de tren que posa el focus en aquella població de l’Amèrica Llatina que va ser “explotada”, “aniquilada” i utilitzada com a força de treball pel cultiu de la canya de sucre i la creació de vies ferroviàries durant la Revolució Industrial.
LaRepública El festival Panoràmic posa el focus en “l’explotació i aniquilació” de l’Amèrica Llatina durant la Revolució Industrial (24-10-2024)
El festival Panoràmic ha presentat aquest dijous la instal·lació inèdita de Roc Parés, Sandra Rengifo i la col·laboració Kostas Tsanakas que es podrà veure fins al 4 de gener a la Fundació Lluís Coromina – Espai Isern Dalmau de Barcelona. Sota el títol ‘Topografías de las memorias’ es tracta d’una exposició amb fotografia, vídeo i una maqueta de tren que posa el focus en aquella població de l’Amèrica Llatina que va ser “explotada”, “aniquilada” i utilitzada com a força de treball pel cultiu de la canya de sucre i la creació de vies ferroviàries durant la Revolució Industrial. El treball se submergeix en les conseqüències en zones on persones han quedat atrapades després que s’hagi alterat les formes de vida originals pel benefici d’altres.
Deriva360 utiliza un celular con cámara de 360 grados, para generar imágenes y sonidos fuera de control. Dicho dispositivo vuela por el cielo de Colombia, llevado a la deriva por un hatajo de globos inflados con helio. Se trata de una pieza en clave poética que reivindica el cielo como espacio para la imaginación. El proyecto consta de dos fases: una performance audiovisual participativa que acontece en tiempo real y una instalación audiovisual que prolonga la experiencia de la acción en el tiempo.
En el marco del Festival Internacional de la Imagen de Manizales y Bogotá, uno de los más longevos y prestigiosos de América Latina, Deriva360 se presentará en diálogo con AtmoSphaira, un proyecto audiovisual de Sandra Rengifo (@oldnewflesh), comisariado por Fernando Cuevas Ulitzsch (@fcuevasu74), en la exposición conjunta: GEO-POIESIS: derivas y confluencias en las imaginerías electrónicas.
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En octubre la instalación se expondrá en Festival Panoramic de Granollers.
El 6 de mayo, día inaugural del simposio internacional del Festival de la Imagen en Manizales tendrá lugar una charla entre Sandra Rengifo, Roc Parés, Roberta Bosco y Fernando Cuevas Ulitzsch, titulada: Geo-poesis: derivas y confluencias en las imaginerías electrónicas. Diálogo y experimentación compartida entre Cataluña y Colombia.
El conversatorio será precedido por una intervención de Felipe Cesar Londoño, director del Festival de la Imagen de Manizales y Bogotá y Laia Casanova, codirectora del Festival Panoramic de Granollers (Barcelona), que hablarán sobre la enriquecedora colaboración entre las dos manifestaciones y entre Colombia y Cataluña.
Seminario Internacional: Geo-poesis: derivas y confluencias en las imaginerías electrónicas. Diálogo y experimentación compartida entre Cataluña y Colombia. Fecha: Lunes, 6 de mayo
Hora: 3:30 pm – 5:00 pm
Lugar: Manizales – Sala Fundadores – CCC Teatro Los Fundadores – Carrera 22 con calle 33
Exhibición: GEO-POIESIS: derivas y confluencias en las imaginerías electrónicas. Instalación conjunta entre AtmoSphaira, de Sandra Rengifo y Deriva360, de Roc Parés. Inauguración: Viernes, 10 de mayo
Hora: 6:00 pm
Lugar: Bogotá – Centro Nacional de las Artes – Sala Fanny Mikey – Calle 11 # 5-60
Créditos:
Deriva360 es un proyecto de Roc Parés – CV AtmoSphaira es un proyecto de Sandra Rengifo Comisariado: Roberta Bosco y Fernando Cuevas Ulitzsch
Textos:
«Roc Parés y la poética del movimiento» por Roberta Bosco (PDFCastellano)
«Cuerpos errantes». Reflexiones sobre AtmoSphaira de Sandra Rengifo por Fernando Cuevas Ulitzsch (PDFCastellano).
Performance: Deriva360 de Roc Parés
Fecha: Viernes, 3 de mayo
Hora: 10:00 am
Lugar: Bogotá – Terraza Rectoría | Proyección en Auditorio Fabio Lozano – Carrera 4 #22-61
La performance Deriva360 se materializa en el lanzamiento de un dispositivo móvil (celular + cámara 360º) que retransmite en directo su viaje propulsado por un manojo de globos llenos de helio, que lo arrastran inexorablemente hacia lo desconocido. El público puede participar en las fases del lanzamiento y también seguir en tiempo real desde otras localizaciones, el impredecible merodear del curioso artefacto, gracias a un sistema GPS. Este viaje prolongará su vida en una instalación audio visual que se mantendrá activa y visitable durante todos los días del festival.
La acción que tendrá lugar en Colombia, se desplegará desde Manizales y podrá seguirse en vivo también desde una sala de exposiciones en Bogotá y desde cualquier parte del mundo a través de la web. Deriva360, que se estructura como un proyecto en proceso, tuvo unos significativos antecedentes en las acciones que se llevaron a cabo en el Centro Cultural de España en México, en el MIT de Massachusetts o en la Universidad de París. En Colombia se materializará en una acción geo-poiesica, que plasma la intersección entre la geografía del territorio y la imaginación del artista, mediante hilos narrativos, cuyo desarrollo temporal será invertido. Es la primera vez que la acción se realiza con un dispositivo capaz de captar imágenes de 360º y la participación activa del público.
Deriva360 es una acción poética que plantea la construcción de subjetividades virtuales y remotas que amplían la experiencia del mundo fuera de nuestros cuerpos. Nos habla del despertar de la consciencia crítica y participativa y nos invita a pensar desde donde miramos, es decir desde qué perspectiva contemplamos la realidad y también la obra de arte en la era de la imagen digital e inmaterial. Este ejercicio de cuestionamiento afecta todos los aspectos de la realidad, cuya percepción suele ser mediada no solo por los sentidos, sino por nuestras experiencias, conocimientos, contextos y demás circunstancias sociales y personales.
Deriva360 Concepto: Esta propuesta para el Festival Internacional de la Imagen de Colombia se titula Deriva360 y conecta con el enunciado de la GEO-POIESIS: Intersección entre la geografía y la imaginación humana. El proyecto plantea la construcción de subjetividades virtuales y remotas que amplían la experiencia del mundo fuera de nuestros cuerpos. Se trata de una pieza site-specific para Colombia y podrá seguirse desde cualquier parte del mundo a través de un navegador web.
Deriva360 Procedimiento: En un espacio al aire libre en Bogotá, se convoca al público en horario diurno a participar en la acción Deriva360. El artista mexicano-catalán Roc Parés dará la bienvenida y pedirá la colaboración del público para inflar un centenar de globos de fiesta con helio y atar cada uno con una cinta. Una vez inflados y atados todos los globos, Roc Parés activará una aplicación de transmisión en tiempo real en un celular con cámara de 360 grados, lo amarrará al hatajo de globos y lo soltará. Tanto el público local como el público remoto podrán seguir en vivo el punto de vista errático surcando el cielo de Colombia.
Lugar y fecha: Viernes 03/05 (hora por definir) se realizará la acción Deriva360 desde la terraza del Módulo 2 de la Universidad Jorge Tadeo Lozano. En el momento en el que perdamos de vista los globos, bajaremos al Auditorio Fabio Lozano para seguir la transmisión en vivo.
EL TEMPS DE LES ARTS Roc Parés reivindica el cel com a espai per a la imaginació (07 Mayo 2024) por Ariadna Mas Vall
Catalunya és el territori convidat a la 23a edició del mític Festival de la Imatge de Manizales-Bogotà (Colòmbia), on l’artista Roc Parés acaba de presentar el projecte “Deriva360″ en col·laboració amb l’artista colombiana Sandra Rengifo. Una proposta comissariada per Roberta Bosco i Fernando Cuevas Ulitzsch que convida a la participació i a una profunda reflexió entorn les diferents perspectives i mirades d’una realitat múltiple i canviant en l’era de la imatge.
“Backup” del artículo original “Siempre nos quedará una granja” publicado por Roberta Bosco y Stefano Caldana el 9 de abril de 2015 en Aquae Blog.
La granja de Koen Vanmechelen Photo Philippe van Gelooven
Parece una granja pero se trata de una sala de exposiciones. Un dromedario, un alborotado tropel de pollos con sus huevos y un cultivo de setas, son el atípico reparto que escenifica el MECC Project, el controvertido proyecto del artista conceptual Koen Vanmechelen, que el próximo mes de mayo se expondrá también en la Bienal de Venecia.
Koen Vanmechelen, Museum Het Domein, De Domijnen 03, Sittard, the Netherlands, january 2015. Photo Bert Janssens
Mientras tanto el MECC Project se presenta en This Is Not a Chicken, una exposición que ha transformado el Museum De Domijnen de Sittard (Holanda), en algo a medio camino entre un laboratorio y un jardín zoológico. Con el objetivo de convertirse en un estudio científico al mismo tiempo que artístico, la muestra se estructura como un pequeño ecosistema. Su creador prefiere definirle un círculo ecológico donde los distintos animales y las obras conceptuales que ellos representan, interactúan para dar forma a un conjunto que recuerda a la Full Farm, un célebre proyecto de arte ecológico concebido en la década de 1970 por la pareja estadounidense Newton y Helen Mayer Harrison.
“Ahora mismo en el gran vestíbulo y el patio del Museum De Domijnen se aloja un dromedario. Después de haber sido pasteurizados sus excrementos sirven como abono para un cultivo de setas que crecen en el interior del museo y que a su vez serán parte de la dieta de las gallinas Mechelse Sulmtaler” explica el artista belga Koen Vanmechelen aludiendo a sus pollos, la decimoctava generación del Cosmopolitan Chicken Project. Desde la década de 1990, Vanmechelen es internacionalmente conocido por un proyecto de cría artística de gallinas domésticas de la especie Gallus gallus, que ha desembocado en el Cosmopolitan Chicken Project. Las aves y los huevos son sus herramientas artísticas, mientras que las motivaciones de sus investigaciones giran en torno a dos temas principales: la diversidad y la identidad biocultural. Vanmechelen empezó con una gallina doméstica de la ciudad belga de Malinas (Mechelen) y con la colaboración de científicos de todo el mundo, coordinados por el investigador y genetista humano Jean-Jacques Cassiman, ha conseguido cruzar su linaje original con aves autóctonas de todos los países donde a lo largo de estos años ha presentado el Cosmopolitan Chicken Project. Con el tiempo el artista ha conseguido lo que define un “pollo cosmopolita”, que cuenta con una herencia genética enriquecida por la hibridación con ejemplares europeos, asiáticos, africanos, estadounidenses y cubanos.
Koen Vanmechelen, Museum Het Domein, De Domijnen 03, Sittard, the Netherlands, january 2015. Photo Bert Janssens
A través del Cosmopolitan Chicken Project, Vanmechelen examina fenómenos como el nacionalismo, el multiculturalismo, la diversidad biocultural, la identidad, la fertilidad y la respuesta inmune de los organismos como defensa contra las enfermedades. “Mis aves viven mucho más tiempo que las cepas mono culturales y son además más fértiles y resistentes a las enfermedades”, explica el artista que también quiere denunciar la realidad cotidiana de las grandes producciones industriales de pollos mono culturales, que se enfrentan a graves enfermedades como el reciente brote de gripe aviar en varias granjas avícolas holandesas.
Con el apoyo de los investigadores en virología molecular de la Universidad Gante y del Instituto de Biotecnología de Flandes, en esta muestra el artista centra su atención en el gen Mx, que proporciona una protección natural contra diversos virus, incluyendo el de la gripe aviar. “El gen Mx de pollos de monocultivo apenas demuestra cualquier actividad antiviral. Esto podría estar relacionado con la diversidad genética limitada de varias razas de pollos artificiales”, asegura Vanmechelen, subrayando como el aumento de la diversidad genética de las aves puede reforzar la actividad antiviral del gen Mx. Evidentemente los pollos se plantean como una metáfora de la humanidad y con el Cosmopolitan Chicken Project, que en 2013 ganó el Golden Nica en los prestigiosos premios del Ars Electronica Center, el artista pone de relieve la importancia de la diversidad en un mundo que está evolucionando hacia el multiculturalismo.
La granja de Koen Vanmechelen Photo by Alice Kerkhofs
Cuando no participan en un evento expositivo, los animales de Vanmechelen descansan con el artista en la ciudad holandesa de Meeuwen. Su hábitat es una amplia granja donde conviven apaciblemente unos tres mil pollos y una veintena de llamas, además de pavos reales, águilas, avestruces y dromedarios que están siendo criados en las mejores circunstancias y atendidos por profesionales especializados.
Koen Vanmechelen, Museum Het Domein, De Domijnen 03, Sittard, the Netherlands, january 2015. Photo Bert Janssens
This Is Not a Chicken en el Museum De Domijnen es una exposición comisariada por Roel Arkesteijn, que quiere llegar donde quizás no pueda la investigación científica, desarrollando un estudio comparativo sobre la resistencia de pollos, camélidos y personas, en el cual también las setas y los huevos generados en situ jugarán un papel importante. “La atención se centra ahora en la inmunidad”, indica Vanmechelen que ha comenzado a criar llamas y dromedarios, animales conocidos por sus fuertes sistemas inmunes. “Los anticuerpos de los dromedarios prometen ser un arma poderosa contra los virus, pero sus ventajas aun no pueden ser aplicadas a los seres humanos”, explica el artista, que en 2010 fue galardonado con un doctorado honoris causa por la Universidad de Hasselt.
En el laboratorio científico instalado en el interior de la muestra del Museum De Domijnen, Vanmechelen quiere llegar a mezclar el gen Mx de los pollos y de los camélidos. “This Is Not a Chicken pretende crear un diálogo con el público, ya que el contacto con estos hermosos animales te hace cuestionar nuestra relación con la naturaleza, así como el equilibrio entre la cultura y la naturaleza”, concluye el artista. Además de exhibirse en la próxima Bienal de Venecia y en la ciudad de Detroit, el MECC Project se presentará también en el marco de The Importance of Being, una exposición en Cuba que se puede considerar un adelanto de Arena de Evolución,un nuevo proyecto de Vanmechelen que se estrenará en la próxima Bienal de Habana.
Tras la inauguración de la exposición «Mark Amerika. Remixing Reality. 1993-2023» en la Galería Marlborough de Barcelona, el artista norteamericano visitará el auditorio de CASA SEAT para conversar sobre su dilatada trayectoria explorando las posibilidades de la Red para crear y exponer piezas artísticas.
La periodista Roberta Bosco conversará con Mark Amerika sobre sus inicios en el Net.art, del que se le considera un pionero, y la evolución desde sus primeras creaciones basadas en hipervínculos hasta las últimas, en las que se vale de la inteligencia artificial y de los NFTs. El artista norteamericano, que también es teórico y profesor de Arte en la Universidad de Colorado, reflexionará sobre de qué modo Internet ha ampliado las posibilidades de los creadores y de los espectadores, así como su efecto sobre el mercado.
“Backup” del artículo original “Ecología de la descontaminación” publicado por Roberta Bosco y Stefano Caldana el 25 de febrero de 2015 en Aquae Blog.
Cecilia Jonsson – The Iron Ring. Photo courtesy Cecilia Jonsson
Tanta ciencia, investigaciones e ingeniería para restablecer el medioambiente y sin embargo nuestro mundo está cada día peor. ¿Y si los ecosistemas se pudieran salvar trabajando directamente con la naturaleza?
Eso es lo que plantea el proyecto The Iron Ring, en inglés el anillo de hierro, que la artista noruega Cecilia Jonsson ha forjado artesanalmente en las riberas ácidas del río Tinto en España.
The Iron Ring es un proyecto artístico y al mismo tiempo una investigación científica, desarrollada entre el centro V2_ Institute for the Unstable Media de Rotterdam (Holanda) y el sur de Andalucía, que propone utilizar la Imperata cylindrica, una planta comúnmente conocida como cisca o carrizo, para extraer los metales y contribuir a la recuperación de los terrenos contaminados por la actividad minera. Este proceso se conoce genéricamente como biorremediación o fitorremediación, términos que definen el empleo de microorganismos y plantas en las tareas de descontaminación y regeneración de suelos contaminados, aunque en el caso del río Tinto estudios recientes apuntan a qué la acidez de sus aguas depende también de causas geológicas.
La cisca (Imperata cylindrica) es una herbácea perenne, perteneciente a la familia de las poáceas, considerada una especie invasora y dañina para los cultivos, que curiosamente ha demostrado aclimatarse especialmente bien en los suelos tóxicos de los clausurados yacimientos mineros del río Tinto. Esta planta reacciona como una hiperacumuladora de hierro es decir, no sólo tolera la presencia del metal, sino que lo extrae de la tierra y conserva en grandes concentraciones en el interior de sus raíces y hojas. Jonsson cosechó unos 24 kilos de Imperata cylindrica contaminada con hierro de la zona minera del río Tinto y la transformó en un anillo metálico de dos gramos de peso.
“La investigación preliminar de mi trabajo se desarrolló a partir de unos trabajos científicos realizados por la Universidad de Madrid, que se llevaron a cabo para medir los niveles de contaminación y la calidad de las aguas del río Tinto, utilizando como filtro la Imperata cylindrica”, nos explica Cecilia Jonsson, una artista multidisciplinaria, cuyo trabajo persigue comprender la complejidad de los ecosistemas que nos rodean.
La investigación sobre el campo y la siguiente recolección de las plantas tuvo lugar en un amplio territorio, desde del golfo de Cádiz en Huelva pasando por los pueblos de Niebla y Berrocal, hasta las fuentes del río Tinto y las minas cerradas en el corazón de la Faja Pirítica Ibérica.
Cecilia Jonsson – The Iron Ring 7 Photo Carina Hesper
El proceso de creación del anillo de hierro, desde la cosecha de la planta hasta su quema para extraer el metal y llegar a la fundición del anillo, surgió de una originalísima colaboración entre herreros y científicos como el profesor James Jackson Griffith de la Universidade Federal de Viçosa (Minas Gerais, Brasil), quien asesoró a la artista en sus primeras investigaciones sobre la minería. “También me gustaría mencionar que el proyecto se ha desarrollado mucho por un proceso de ‘pruebas y errores’, ya que el hierro no ha sido nunca extraído de esta forma a partir de la hierba. Si se tuviera que repetir el proceso, los pasos tendrían que ser redefinidos y dependiendo del lugar de la cosecha, la contaminación de las plantas afectaría también la coloración y la calidad del metal”, continúa la artista. Jonsson ha difundido las sietes fases del trabajo, desde la cosecha de la Imperata cylindrica hasta la fundición del anillo, en una publicación en formato e-book, de descarga gratuita, producida por el centro V2_ Institute for the Unstable Media de Rotterdam.
Recientemente The Iron Ring ha sido galardonado en España en la última edición de los Premios VIDA, el prestigioso y único concurso internacional arte y vida artificial, que la Fundación Telefónica de Madrid concede desde 1999. “El proyecto se enmarca en una tendencia muy reciente que está cobrando cada vez más importancia en el concurso. Por un lado encaja perfectamente en la temática de obras que reflexionan sobre el entorno, las ecologías y los sistemas naturales. Por el otro, aborda la investigación de determinados procesos materiales por medio de la reconstrucción de dichos procesos, los agentes que intervienen y las relaciones que se generan”, nos asegura Mónica Bello, directora artística de los Premios VIDA, desde 2010 hasta hace unos días. “Jonsson no sólo reflexiona acerca de las relaciones entre los componentes de un paisaje minero, sino que además trata de revertir las relaciones materiales entre sus componentes. Si la vida artificial se entiende como la organización de un sistema complejo, este proyecto propone una perspectiva interesantísima para actualizar el concepto”, concluye Bello, que acaba de terminar su etapa al vértice de VIDA y a partir de marzo asumirá la dirección del Arts@CERN, en el célebre laboratorio científico de investigación de Ginebra (Suiza).
Cecilia Jonsson – The Iron Ring. Photo Jan Sprij
Desgraciadamente este año VIDA no presentará las obras ganadoras en una exposición ni en su stand de la feria ARCOmadrid, así que por ahora, en España, no hay programada ninguna exposición de The Iron Ring, que hasta el pasado mes de diciembre se exhibió en la galería Atelier Nord ANX de Oslo (Noruega). No tratándose de una verdadera obra objeto, sino de un proceso de investigación, The Iron Ring suele presentarse en el espacio expositivo con documentos, vídeos y objetos empleados durante el trabajo, que arropan el resultado final: un anillo de hierro forjado de dos gramos de peso, creado a partir de 24 kilos de plantas hiperacumuladoras de hierro.
“Backup” del artículo original “Marinas digitales para el siglo XXI” publicado por Roberta Bosco y Stefano Caldana el 20 de enero de 2016 en Aquae Blog.
Rafaël Rozendaal
El agua ha sido presente a lo largo de toda la historia del arte fluyendo en las prácticas pictóricas con un protagonismo comparable con el mismo retrato y en la actualidad su poder iconográfico no podía pasar desapercibido a los artistas de la escena digital.
Desde un punto de vista plástico esta investigación ha tenido su apogeo con la representación del paisaje de William Turner, quien con sus mares en tormenta y los juegos generados por los reflejos de luz, casi se adelantó al impresionismo y a los artistas de la época de Manet. Como nos recuerdan las obras de Monet, Sorolla y Dalí entre innumerables otros, muchos artistas se han enfrentado con la representación del mar. Pero ¿Cómo se puede animar electrónicamente el agua? y ¿Cómo se puede animar el reflejo de la luz en el agua?
Intenta responder a las preguntas el brasileño-holandés, afincado en Nueva York, Rafaël Rozendaal, un artista de la escena digital que a través de la programación ha dado vida a unas páginas web que con toda razón se pueden definir lienzos digitales. Aunque su trabajo aborda temáticas más amplias y no se centra exclusivamente en la representación del agua, en su amplia producción para la red, que reúne ya más de cien obras de net.art, este elemento destaca en diversos proyectos.
nothing ever happens .com de Rafaël Rozendaal
Si nos permiten el juego de palabras, os invitamos a navegar entre algunos ejemplos como nothing ever happens .com (2013), una sencilla superficie donde la programación va definiendo el movimiento -sólo aparentemente aleatorio- de unas líneas que separan áreas donde se alternan los colores blanco y negro. Pese a que como admite el título de la obra nunca pasa nada, resulta evidente que Rozendaal ha conseguido animar electrónicamente el agua o por lo menos jugar con los colores para inducir en el espectador la sensación de estar observando los reflejos de la luz y el movimiento de una superficie líquida.
goodbye farewell .com de Rafaël Rozendaal
A Rafaël Rozendaal la fascinación por el agua y su representación en la historia del arte, le viene de lejos, como demuestran obras que ahondan en esta investigación. En goodbye farewell .com (2011) observamos los reflejos de la luz de la luna en un mar que parece mecerse aparentemente indiferente. Sin embargo con una cierta atención descubriremos que la superficie marina reacciona imperceptiblemente con la interacción del ratón. Algo parecido pasa en mechanical water .com (2012), una obra que despliega una abstracta superficie de agua en continuo movimiento, casi una entidad marciana o como el título sugiere, simplemente agua mecánica, animada por un continuo estremecimiento, casi un pulso eléctrico que consigue dar vida a un lienzo abstracto que reacciona a los movimientos del ratón.
Irreverente y enigmático, Rafaël Rozendaal quien lleva tatuada la palabra “internet” en el interior de los labios, es quizás el artista de la escena del net.art que ha conseguido sacar mejor provecho de su práctica artística. Nunca ha sido fácil encontrar coleccionistas interesados en obras creadas exclusivamente para la red, sin embargo Rozendaal ha producido más de cien piezas para la red y ha conseguido vender muchas de ellas. Por lo menos así lo pregonan los nombres de los coleccionistas, que aparecen juntos al título de muchas obras en la pestaña del navegador. A pesar de su naturaleza virtual, podemos afirmar que las creaciones de Rozendaal siguen siendo objetos, de hecho el artista mismo define Internet “su lienzo”. No insistiremos ahora en el eterno debate sobre cómo se puede considerar “objeto” un elemento intangible que se materializa a través de la programación informática, pero queremos subrayar el parecido entre estas obras para la web y las pinturas tradicionales. Aunque en ocasiones reaccionan a la presencia del espectador, básicamente las creaciones de Rozendaal son páginas web, que reproducen al infinito una simple animación.
looking at something .com de Rafaël Rozendaal
Según se lee en la pestaña del navegador looking at something .com (2013), donde el artista nos invita a interactuar con la lluvia en un juego infinito entre un día soleado y una tormenta, ha sido adquirida por la colección de Motoi Sadakane and Copilot inc. Eludiendo la componente conceptual que caracterizó los primeros años de la escena del net.art, las obras de Rozendaal bien se adaptan a los dogmas del mercado del arte. Se trata de páginas web dotadas de su dirección individual que coincide con el título de la obra, lo cual las hace más fácilmente vendibles. Lo demuestra el hecho que Rozendaal haya conseguido vender ya casi la mitad de su producción a coleccionistas conocidos y anónimos, atraídos por su peculiar y perfectamente legal contrato para la venta de obras de net.art.
why was he sad .com de Rafaël Rozendaal
Volviendo al tema del agua, os proponemos el irritante to the water .com (2010), una animación que juega con la eterna metáfora del vaso medio lleno de agua, que parece querer escaparse de las manos del espectador como un enigmático moscardón. En cambio why was he sad .com (2002), que ha pasado a formar parte de la colección del artista Miltos Manetas, se parece más a un haiku visual o un jardín zen, donde un hipnótico cielo surcado por nubes al compas del jingle inicial de Farewell to Cheyenne del compositor italiano Ennio Morricone, ofrece al público la posibilidad de explotar las nubes con el ratón o simplemente no hacer nada.
i am very very sorry .com de Rafaël Rozendaal
Terminamos con i am very very sorry .com (2002), una propuesta minimalista, casi un epitafio flotando en algo que podría parecer un alcantarillado, donde sólo se puede presenciar al lacónico y aleatorio gotear del agua en un charco como un recordatorio del inexorable paso del tiempo.
“Backup” del artículo original “El impacto medioambiental de Google” publicado por Roberta Bosco y Stefano Caldana el 6 de octubre de 2015 en Aquae Blog.
Sin tomar en consideración la actividad de las industrias, está comprobado que el tráfico aéreo genera menos contaminación que los tradicionales medios de transporte, pero ¿puede ser superado por las emisiones generadas por la actividad de los usuarios de la red? La asombrosa respuesta es sí. Lo demuestra la artista catalana Joana Moll (Barcelona, 1982) con su CO2GLE, un proyecto artístico que revela un dato sorprendente: navegar en la red contamina más que volar con un avión. De hecho, sólo la lectura de este artículo supone una emisión en la atmósfera de aproximadamente 0.17 gramos de dióxido de carbono (CO2).
Toda actividad humana implica un coste para el medioambiente, que se puede plasmar en porcentajes de emisiones de gases contaminantes en la atmósfera y entre todos ellos, el dióxido de carbono es uno de los más nefastos para el clima mundial y uno de los principales responsables del efecto invernadero. Todavía no se ha llegado a entender exactamente la repercusión de la actividad de los internautas para el medioambiente, aunque según estudios recientes Internet es responsable del 2 % de las emisiones globales de CO2. En promedio la producción de 1 Kwh. de energía emite 544 gr. de CO2 y son necesarios 13 Kwh. para transmitir 1GB de información, lo que equivale a 7,07 Kg. de CO2.
Evidentemente todos estos datos son aproximativos y afortunadamente este espacio de la Fundación Aquae sigue manteniéndose en unos márgenes de contaminación aceptables si los comparamos con el efecto diario generado por las emisiones de sitios muy populares como Facebook, YouTube o Google. Este último es el sitio más visitado de Internet con un promedio aproximado de 47.000 solicitudes cada segundo. Considerando que su web pesa cerca de 2 MB, se puede afirmar que a raíz de su uso la atmósfera recibe una cantidad que se acerca a los 500 Kg. de CO2 por segundo.
Todo esto se desprende de CO2GLE, un nuevo proyecto para Internet de la artista, docente e investigadora Joana Moll, que se expondrá a partir de mañana en The Promise Of The Internet, una exposición organizada por Connect The Dots. La obra de Joana Moll, que se proyectará en distintos espacios del vanguardista centro de arte de Sheffield (Reino Unido), es una despiadada y cruda página web que, gracias al empleo de un algoritmo, evoluciona inexorablemente relatando a través de los números la irremediable realidad sobre la cantidad de dióxido de carbono que Google lanza en la atmósfera. “CO2GLE se sitúa en una zona ambigua entre arte e investigación. Es una performance virtual simbólica, que intenta crear un espacio para la reflexión y el pensamiento crítico en relación a las consecuencias materiales de la híper-aceleración del infospace”, explica Moll, una creadora transdisciplinaria que trabaja en la investigación creativa sobre el uso de las nuevas tecnologías y su repercusión en la sociedad contemporánea.
La artista nos explicó como la idea de CO2GLE surgió después de varios años investigando los métodos de videovigilancia civil en la frontera entre Estados Unidos y México para Arizona: move and get shot, su anterior trabajo. “Me dediqué a estudiar cómo ciudadanos civiles controlan la frontera desde sus casas a través de cámaras web y plataformas online, que les permiten denunciar a las autoridades la entrada de inmigración ilegal en territorio estadounidense. Durante esa exploración me preocupó mucho la desconexión entre la acción y la consecuencia al operar por el medio digital, sobretodo la dilución de las responsabilidades de la acción y sus implicaciones éticas, políticas, económicas y medioambientales”, indica Moll relatando como a través de esa inquietud, a finales de 2013 empezó a preguntarse acerca del impacto material del uso de Internet.
“En realidad no tenía muy claro por dónde empezar y comencé a investigar la cantidad de kilovatio-hora (Kwh.) que se necesita para cargar la información en la red. Obviamente este proceso se traduce en emisiones de dióxido de carbono (CO2), y me pregunté cómo es posible que una conexión tan obvia estuviera tan desdibujada en la imaginación social. Calcular las emisiones exactas generadas por las comunicaciones en la red es extremadamente difícil debido a la gran cantidad de actores participantes en el proceso, entonces CO2GLE nació con la idea de hacer visible la materialidad de lo virtual y resaltar esa conexión”, concluye Moll que actualmente está desarrollando un plugin para navegadores, que permitirá calcular en tiempo real las emisiones aproximadas que un usuario genera al navegar por la red.
Sin embargo su investigación no concluye allí y sin ahondar mucho en la repercusión ecológica generada por las principales industrias, la artista ha querido compartir con nosotros también unas estadísticas sobre la contaminación de los pequeños objetos domésticos y las acciones cotidianas, que a pesar de llevar tiempo circulando por la red parecen no haber generado mucha sorpresa en la opinión pública. Sin embargo hay datos asombrosos, por ejemplo planchar una camiseta produce una emisión de 25 gr. y un minuto de llamada por el móvil puede alcanzar los 57 gr. En cambio se calcula que un tweet genera aproximadamente 0.2 gr. de CO2, mucho menos que los 4 gr. que requiere enviar un email o los 12 gr. necesarios para mantener encendido un ordenador portátil durante una hora.
“Backup” del artículo original “El cachalote que quería comer” publicado por Roberta Bosco y Stefano Caldana el 21 de agosto de 2017 en Aquae Blog.
El planeta está herido de muerte, como el triste simulacro del cachalote hallado muerto en la playa de Castell de Ferro de Granada en 2012, que se expone en el Centre del Carmen de Valencia.
Pese a que el grande mamífero marino de 10 metros de largo no está presente físicamente en el centro de arte valenciano, la imagen sigue siendo igual de sobrecogedora. Un expositor de las mismas dimensiones del cetáceo, despliega todo lo que se encontró en el interior de su estómago: 30 metros cuadrados de cubierta de invernadero, 2 macetas, 2 mangueras, 7 sacos de arpillera plastificada, 5 cuerdas por un total de 9 metros, 4 bolsas de plástico de abono, 1 bote de detergente, 1 percha, 2 garrafas de plástico… una lista aterradora como una innecesaria autopsia o la amarga crónica de una muerte anunciada.
El Cachalote es una de las piezas más impactantes y alarmantes de La deriva de un gesto post-romántico, una muestra individual del artista multidisciplinar Hugo Martínez-Tormo (Valencia, España, 1979), compuesta por cinco instalaciones inéditas que se proponen despertar el público y concienciarle sobre el imparable proceso de contaminación y el exceso de residuos que acaban esparcidos a lo largo y ancho de la costa y el territorio valenciano.
“La cantidad de residuos plásticos que acaban a la deriva en los mares y océanos, está creciendo exponencialmente cada década, convirtiéndose en una de las problemáticas medioambientales que más preocupan en la actualidad. ¿Cómo podemos invertir esa tendencia para poder vivir de una manera eco-sostenible? A la vez que el progreso tecnológico es imparable, también debe serlo la preocupación por la sostenibilidad del planeta”, explica Martínez-Tormo, un artista que a menudo utiliza las nuevas tecnologías y siempre de una forma sutil y original.
El hilo conductor de la narración que toma forma en La deriva de un gesto post-romántico, son dos botellas de plástico, que el artista encontró accidentalmente en un espacio al que no pertenecen y donde no deberían estar: una en el Parque Natural de la Albufera y la otra en el Espacio protegido y patrimonio natural del Saler. Después del estudio y la documentación fotográfica de las dos botellas, Martínez-Tormo las ha reproducido a través de un modelado 3D. Esta información, que no es otra cosa que la representación matemática de cualquier objeto tridimensional, se ha convertido en el elemento fundamental de dos instalaciones electromecánicas, controladas por unas impresoras 3D deconstruidas de las que se conservan sólo los elementos básicos y sus motores.
3DlightPrinter_Plastic Bottle genera una composición lumínica a partir de los reflejos y los juegos de luz y sombra producidos por los movimientos de la superficie de unas cubetas circulares llenas de agua. Las tenues oscilaciones del líquido son generadas por los motores de las impresoras 3D deconstruidas, que funcionan como si estuvieran imprimiendo ininterrumpidamente en el agua, una botella de plástico invisible. Como en la instalación del cachalote Martínez-Tormo vuelve a trabajar con el elemento ausente que se convierte en una presencia ineludible. En este caso se trata de la botella de plástico, hilo conductor de unas obras que plantean al espectador una realidad a menudo negada y ocultada, si bien es más que evidente.
Lo mismo pasa con 3DsoundPrinter_Plastic Bottle, donde otra vez la invisible botella de plástico es el deus ex maquina de una obra que genera una composición sonora parecida al ruido del mar y las olas mediante la oscilación de unos tubos de aluminio y el roce de unas partículas que se deslizan en su interior. Toda la instalación está controlada por los motores de las impresoras deconstruidas que actúan como si estuvieran imprimiendo una botella de plástico.
En las dos obras Martínez-Tormo aboga para un uso sostenible de las nuevas tecnologías, cuestionando su funcionalidad y la finalidad para la que han sido creadas. “Siempre pongo un ejemplo. Qué pasaría si alguien se cuestionara el funcionamiento de una simple lavadora, una nevera o un lavavajillas y empleara sus componentes básicos para destinarlos a otra finalidad. ¿Tal vez podría capturarse la humedad del aire y acabar con la sed en África? Tal vez sea un ejemplo muy extremo, pero este es el objetivo de cuestionar el sistema y lo que éste te dice”, afirma Martínez-Tormo.
La botella vuelve a ser la protagonista en 1.16.625, una serie fotográfica cuyo título hace referencia a los más recientes estudios científicos sobre el proceso de fragmentación de una botella de plástico que flota a la deriva en el mar. “A lo largo de un año la fragmentación y degradación de una única botella por agentes climáticos, como el sol o las propias olas, se materializa en unas 16 partes, cada una de las cuales se dividirá a su vez en otras 625 subpartes de menos de cinco milímetros”, indica el artista. Como diminutas bombas de relojería medioambientales los fragmentos de plástico en los mares producen compuestos muy tóxicos, como el Bisfenol A, que contaminan el agua y acaban siendo ingeridos por los animales acuáticos, regresando así de nuevo al ser humano.
La deriva de un gesto post-romántico termina con Message is the bottle, una instalación audiovisual interactiva que reacciona a la presencia y los movimientos del espectador. Este genera las olas de un océano artificial en el que flota a la deriva una botella virtual previamente diseñada en 3D. En la obra, que se plantea como metáfora de una situación medioambiental idílica donde el ser humano controla y gestiona todos sus residuos, el público se convierte en el timón que guía y condiciona el movimiento de la botella. “El gesto romántico de lanzar al mar una botella con un mensaje en su interior, queda sustituido por una visión más ecológica y respetuosa con el medioambiente. ¿Qué mensaje estamos lanzando con tan romántico gesto? El mensaje ha dejado de estar en el contenido para estar en el continente. La botella es el mensaje”, asegura Martínez-Tormo, convencido de que la cultura tiene que enviar mensajes y dar visibilidad a las problemáticas. “La solución tiene que nacer de cada uno de nosotros. Yo soy consiguiente con mis actos y considero que todos deberíamos serlo. Si todos actuáramos con coherencia y sentido común respetando nuestro entorno viviríamos mucho mejor”, concluye el artista.
La deriva de un gesto post-romántico es la primera exposición que surge de las convocatorias públicas de producción artística y apoyo a la investigación, lanzadas por el Consorci de Museus valencianos. Se podrá ver en el Centre del Carmen de Valencia hasta el próximo 17 de septiembre y luego continuará su itinerancia en el Museo de la Lonja de Alicante, donde se inaugurará el 29 de septiembre y en Barcelona donde recalará en febrero 2018.
Topografías de las memorias
En el marco del Festival Internacional de la Imagen de Manizales y Bogotá, uno de los más longevos y prestigiosos de América Latina, Deriva360 se presentará en diálogo con AtmoSphaira, un proyecto audiovisual de 
La performance Deriva360 se materializa en el lanzamiento de un dispositivo móvil (celular + cámara 360º) que retransmite en directo su viaje propulsado por un manojo de globos llenos de helio, que lo arrastran inexorablemente hacia lo desconocido. El público puede participar en las fases del lanzamiento y también seguir en tiempo real desde otras localizaciones, el impredecible merodear del curioso artefacto, gracias a un sistema GPS. Este viaje prolongará su vida en una instalación audio visual que se mantendrá activa y visitable durante todos los días del festival.
Tras la inauguración de la exposición «
Todo esto se desprende de 
La artista nos explicó como la idea de CO2GLE surgió después de varios años investigando los métodos de videovigilancia civil en la frontera entre Estados Unidos y México para 
El Arte en la Edad del Silicio 