El cachalote que quería comer

Backup” del artículo original “El cachalote que quería comer” publicado por Roberta Bosco y Stefano Caldana el 21 de agosto de 2017 en Aquae Blog.

El planeta está herido de muerte, como el triste simulacro del cachalote hallado muerto en la playa de Castell de Ferro de Granada en 2012, que se expone en el Centre del Carmen de Valencia.

Pese a que el grande mamífero marino de 10 metros de largo no está presente físicamente en el centro de arte valenciano, la imagen sigue siendo igual de sobrecogedora. Un expositor de las mismas dimensiones del cetáceo, despliega todo lo que se encontró en el interior de su estómago: 30 metros cuadrados de cubierta de invernadero, 2 macetas, 2 mangueras, 7 sacos de arpillera plastificada, 5 cuerdas por un total de 9 metros, 4 bolsas de plástico de abono, 1 bote de detergente, 1 percha, 2 garrafas de plástico… una lista aterradora como una innecesaria autopsia o la amarga crónica de una muerte anunciada.

El Cachalote es una de las piezas más impactantes y alarmantes de La deriva de un gesto post-romántico, una muestra individual del artista multidisciplinar Hugo Martínez-Tormo (Valencia, España, 1979), compuesta por cinco instalaciones inéditas que se proponen despertar el público y concienciarle sobre el imparable proceso de contaminación y el exceso de residuos que acaban esparcidos a lo largo y ancho de la costa y el territorio valenciano.

 

“La cantidad de residuos plásticos que acaban a la deriva en los mares y océanos, está creciendo exponencialmente cada década, convirtiéndose en una de las problemáticas medioambientales que más preocupan en la actualidad. ¿Cómo podemos invertir esa tendencia para poder vivir de una manera eco-sostenible? A la vez que el progreso tecnológico es imparable, también debe serlo la preocupación por la sostenibilidad del planeta”, explica Martínez-Tormo, un artista que a menudo utiliza las nuevas tecnologías y siempre de una forma sutil y original.

El hilo conductor de la narración que toma forma en La deriva de un gesto post-romántico, son dos botellas de plástico, que el artista encontró accidentalmente en un espacio al que no pertenecen y donde no deberían estar: una en el Parque Natural de la Albufera y la otra en el Espacio protegido y patrimonio natural del Saler. Después del estudio y la documentación fotográfica de las dos botellas, Martínez-Tormo las ha reproducido a través de un modelado 3D. Esta información, que no es otra cosa que la representación matemática de cualquier objeto tridimensional, se ha convertido en el elemento fundamental de dos instalaciones electromecánicas, controladas por unas impresoras 3D deconstruidas de las que se conservan sólo los elementos básicos y sus motores.

 

3DlightPrinter_Plastic Bottle genera una composición lumínica a partir de los reflejos y los juegos de luz y sombra producidos por los movimientos de la superficie de unas cubetas circulares llenas de agua. Las tenues oscilaciones del líquido son generadas por los motores de las impresoras 3D deconstruidas, que funcionan como si estuvieran imprimiendo ininterrumpidamente en el agua, una botella de plástico invisible. Como en la instalación del cachalote Martínez-Tormo vuelve a trabajar con el elemento ausente que se convierte en una presencia ineludible. En este caso se trata de la botella de plástico, hilo conductor de unas obras que plantean al espectador una realidad a menudo negada y ocultada, si bien es más que evidente.

 

Lo mismo pasa con 3DsoundPrinter_Plastic Bottle, donde otra vez la invisible botella de plástico es el deus ex maquina de una obra que genera una composición sonora parecida al ruido del mar y las olas mediante la oscilación de unos tubos de aluminio y el roce de unas partículas que se deslizan en su interior. Toda la instalación está controlada por los motores de las impresoras deconstruidas que actúan como si estuvieran imprimiendo una botella de plástico.

En las dos obras Martínez-Tormo aboga para un uso sostenible de las nuevas tecnologías, cuestionando su funcionalidad y la finalidad para la que han sido creadas. “Siempre pongo un ejemplo. Qué pasaría si alguien se cuestionara el funcionamiento de una simple lavadora, una nevera o un lavavajillas y empleara sus componentes básicos para destinarlos a otra finalidad. ¿Tal vez podría capturarse la humedad del aire y acabar con la sed en África? Tal vez sea un ejemplo muy extremo, pero este es el objetivo de cuestionar el sistema y lo que éste te dice”, afirma Martínez-Tormo.

 

La botella vuelve a ser la protagonista en 1.16.625, una serie fotográfica cuyo título hace referencia a los más recientes estudios científicos sobre el proceso de fragmentación de una botella de plástico que flota a la deriva en el mar. “A lo largo de un año la fragmentación y degradación de una única botella por agentes climáticos, como el sol o las propias olas, se materializa en unas 16 partes, cada una de las cuales se dividirá a su vez en otras 625 subpartes de menos de cinco milímetros”, indica el artista. Como diminutas bombas de relojería medioambientales los fragmentos de plástico en los mares producen compuestos muy tóxicos, como el Bisfenol A, que contaminan el agua y acaban siendo ingeridos por los animales acuáticos, regresando así de nuevo al ser humano.

 

La deriva de un gesto post-romántico termina con Message is the bottle, una instalación audiovisual interactiva que reacciona a la presencia y los movimientos del espectador. Este genera las olas de un océano artificial en el que flota a la deriva una botella virtual previamente diseñada en 3D. En la obra, que se plantea como metáfora de una situación medioambiental idílica donde el ser humano controla y gestiona todos sus residuos, el público se convierte en el timón que guía y condiciona el movimiento de la botella. “El gesto romántico de lanzar al mar una botella con un mensaje en su interior, queda sustituido por una visión más ecológica y respetuosa con el medioambiente. ¿Qué mensaje estamos lanzando con tan romántico gesto? El mensaje ha dejado de estar en el contenido para estar en el continente. La botella es el mensaje”, asegura Martínez-Tormo, convencido de que la cultura tiene que enviar mensajes y dar visibilidad a las problemáticas. “La solución tiene que nacer de cada uno de nosotros. Yo soy consiguiente con mis actos y considero que todos deberíamos serlo. Si todos actuáramos con coherencia y sentido común respetando nuestro entorno viviríamos mucho mejor”, concluye el artista.

La deriva de un gesto post-romántico es la primera exposición que surge de las convocatorias públicas de producción artística y apoyo a la investigación, lanzadas por el Consorci de Museus valencianos. Se podrá ver en el Centre del Carmen de Valencia hasta el próximo 17 de septiembre y luego continuará su itinerancia en el Museo de la Lonja de Alicante, donde se inaugurará el 29 de septiembre y en Barcelona donde recalará en febrero 2018.

Chapuzones artísticos

Backup” del artículo original “Chapuzones artísticos” publicado por Roberta Bosco y Stefano Caldana el 14 de enero de 2015 en Aquae Blog.

Una investigación artística supone una experimentación con el medio y una implicación no exente de compromiso. Lo demuestran las obras de la joven artista catalana Mar Serinyà, que trabaja con el agua hasta el punto de llegar a empaparse literalmente con este elemento.
Originaria de la provincia Girona, Serinyà (Torroella de Montgrí, 1986), realiza intervenciones entre la performance y el land art, durante las cuales se sumerge en ríos y mares y utiliza su propio cuerpo para moldear azarosamente la sustancia liquida. Sus acciones dan vida a obras efímeras, cuya memoria se conserva en fotografía, que remiten por un lado a la inmaterialidad de los medios digitales y por el otro a las reflexiones filosóficas de Heráclito y su río, que nunca puede ser cruzado dos veces porque ni el hombre ni el agua serán los mismos.

“Necesitaba sumergirme en las aguas, los ríos, las cascadas, los estanques. Quería ser agua, entenderla, sentir sus corrientes, el movimiento, el flujo, la fuerza”, explica Serinyà. El pasado verano la artista fue seleccionada para Filtres APPart, una exposición del Centro de Arte Contemporáneo Bòlit de Girona que se pudo disfrutar de dos maneras diferentes: físicamente visitando las obras en dicho centro y virtualmente a través de una aplicación para dispositivos móviles. Sin embargo, a pesar de que la presentación en el Bòlit ha terminado, los trabajos encargados a los artistas siguen y seguirán disponibles indefinidamente a través de una aplicación gratuita, desarrollada para dispositivos iOS y Android. Bautizada Filtres APPart como la muestra, la aplicación permite ver las obras de manera geolocalizada, es decir mostrándolas sólo cuando el usuario se encuentra físicamente en el lugar donde los artistas han ejecutado sus intervenciones, por ejemplo el río que cruza la ciudad en el caso de la artista que nos ocupa.

Traçant els rius de Girona – Güell de Mar Serinyà

En Filtres APPart Serinyà plantea una reflexión sobre su espacio de acción como artista, presentando las cuatro series de fotografías que conforman Traçant els rius de Girona (Trazando los ríos de Girona), en las que la artista juega con el agua para demostrar cómo el cuerpo puede modelar azarosamente las corrientes y cómo se relaciona con la marca que genera.

“Quería saber qué se sentía al ser un río de Girona y al mismo tiempo darles la palabra. Para conocer esta realidad hablé con biólogos, leí la historia de la evolución de los ríos en la ciudad y luego escogí los puntos concretos donde llevar a cabo una experiencia cuyo objetivo era intentar mezclarme con el agua del río para generar un instante en que el cuerpo, el agua y la ciudad se armonizan. Al mismo tiempo tuve ocasión de ver cómo hemos civilizado los ríos, rodeándolos de cemento, desviando su recorrido, alterando sus corrientes y movimientos y desvirtuando su naturaleza”, explica Serinyà que considera este proyecto un trabajo híbrido entre performance y fotografía.
“Mi cuerpo es la herramienta de investigación más cercana que tengo y lo utilizo para crear, a través de la práctica de la performance y la fotografía, dos disciplinas que me permiten materializar esta necesidad experimental de descubrirme y descubrir el mundo que me rodea”, matiza la artista catalana que actualmente vive en Bonn (Alemania), donde cursa el doctorado de Bellas Artes. “No busco nunca una fotografía o una imagen, porque si buscara conseguir una imagen concreta, tanto la fotografía como la experiencia que registra resultaría vacía de contenido. Para mí, la magia se encuentra en la experiencia, en el instante que es irrepetible pero que puede ser captado e inmortalizado en una imagen”, añade.

Mar de Mar Serinyà

La última intervención de Serinyà en esta línea se titula y ha sido realizada en la playa de Sant Martí d’Empúries. “Esta experiencia ha sido muy diferente. Quería conocer el mar y comunicarme con él. Buscar el vínculo de unión entre mis aguas internas y las aguas del mar, estableciendo así un vínculo de comunicación y comprensión”, concluye la artista.

ARS ELECTRONICA GARDEN BARCELONA 2021

Tras el éxito del año pasado Barcelona vuelve a convertirse en una de las principales sedes deslocalizadas del Ars Electronica Festival, la manifestación más importante del mundo dedicada a la creación electrónica y las sinergias entre arte, tecnología, ciencia y sociedad, que celebra su 42ª edición en Linz (Austria) y más de cien ciudades alrededor del mundo, del 8 al 12 de septiembre.

Por segundo año consecutivo una red de instituciones catalanas dará vida al Ars Electronica Garden Barcelona (https://arselectronicagardenbarcelona.org).

En línea con la filosofía del festival, el Garden Barcelona se celebrará en diversas sedes y presentará exposiciones con obras inéditas y proyectos en procesos producidos especialmente para la ocasión, charlas entre artistas y científicos, talleres, performances y proyecciones de películas.

Las dos sedes principales del Garden Barcelona serán el Canòdrom Ateneo de Innovación Digital y Democrática y Espronceda Institute of Art & Culture.

El Canòdrom acogerá una obra histórica y una producción inédita de la Colección Beep de Arte Electrónico y los cinco proyectos becados expresamente para participar en Ars Electronica 2021 por el Institut Ramon Llull, la New Art Foundation, la Universitat Oberta de Catalunya, el centro de creación de danza y artes escénicas La Caldera y el centro de producción e investigación Hangar.

El centro de arte Espronceda desplegará cinco instalaciones, tres de las cuales son el resultado de las residencias artísticas IMMENSIVA Residences 2021, que ofrecen experiencias multiusuarios y abordan temas candentes de la creación contemporánea como los NFT, las criptomonedas y la contaminación ecológica de los datos.

Desde el año pasado Ars Electronica ha hecho de necesidad virtud, transformando una imposición sanitaria en un experimento de festival híbrido y descentralizado, conectado a través de Internet, que ha sido tomado como ejemplo por toda clase de eventos alrededor del mundo.

A principio de septiembre, Linz se convertirá en el epicentro de una cosmogonía creativa formada por el conjunto de ciudades que, cada una con su Garden, participan de forma remota al festival. En Linz, Ars Electronica tiene lugar en los Kepler’s Gardens, los jardines de la Universidad Johannes Kepler, el célebre astrónomo alemán que revolucionó la astronomía con su teoría de los movimientos de los planetas alrededor del Sol.

Ars Electronica acaba de lanzar su programación online con los concurridos Home Delivery, charlas de preparación a los contenidos del festival, reunidos este año bajo el lema “A new digital deal. How the digital world could work”.

Más info ☞: https://www.arselectronicagardenbarcelona.org
DOSSIER DE PRENSA (CAST) (CAT) (ENG)
FOTOS: https://cutt.ly/GardenBarcelona
Las noticias más destacadas en la PRENSA

 

Ars Electronica Garden Barcelona es una iniciativa de:

Institut Ramon Llull
Hac Te – Hub de Arte, Ciencia y Tecnología
UOC – Universitat Oberta de Catalunya
HANGAR – Centro de Producción e Investigación de Artes Visuales
NewArtFoundation
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ESPRONCEDA – Institute of Art & Culture
Canòdrom – Ateneo de Innovación Digital y Democrática

 

Con la colaboración de:

La Caldera – Centro de Creación de Danza
Mira – Digital Arts Festival
IDEAL – Centro de Artes Digitales
IAAC – Instituto de Arquitectura Avanzada de Cataluña

 

 


“ARS ELECTRONICA GARDEN BARCELONA” en la PRENSA

 

IL GIORNALE DELL’ARTE (Italia)
Giardini elettronici (10 Septiembre 2021) de Roberta Bosco
Ars Electronica, il più importante festival del mondo dedicato alla creatività elettronica e alle sinergie tra arte, tecnologia, scienza e società, mantiene il formato ibrido inaugurato l’anno scorso.

LA VANGUARDIA
El festival Ars Electrónica imagina otros mundos posibles (09 Septiembre 2021) de Teresa Sesé
Barcelona se suma por segundo año a la gran cita internacional del arte digital.

EL PUNT AVUI
Tecnologia humana (09 Septiembre 2021) de Maria Palau
“Barcelona està a l’avantguarda dels canvis que s’exigeixen al món sencer”, va exclamar ahir el tinent d’alcalde de Cultura, Jordi Martí, en la presentació del programa d’Ars Electronica, el festival més important que interconnecta art, tecnologia i societat.

TV3
Ars Electornica Garden Barcelona en Telenotícies TV3 (08 Septiembre 2021) de Òscar Costa Hoyuela Xavier Oller / Enric Miró

EL PAÍS
El Ars Electronica une oxitocina, aceite de oliva y vino (08 Septiembre 2021) de Roberta Bosco
Barcelona será sede en 2022 el International Symposium on Electronic Art (ISEA).

324
L’Ars Electronica Festival aplega a Barcelona l’obra inèdita de 24 artistes inspirats per la idea d’interdependència (08 Septiembre 2021) ACN Barcelona
Per segon any consecutiu Barcelona és una de les subseus de l’Ars Electronica Festival, la cita més important del món sobre creació electrònica i sinergies entre art, tecnologia, ciència i societat, i que celebra la 42a edició a més de cent ciutats del 8 al 12 de setembre.

RTVE
Ars Electornica Garden Barcelona en l’Informatiu 2 RTVE (08 Septiembre 2021) de Anna Albertí

EL PERIODICO DE CATALUÑA
El arte vuelve al Canòdrom (08 Septiembre 2021) de Natàlia Farré
El edificio de Bonet Castellana de la Meridiana tenía que ser centro de arte contemporáneo de Barcelona, pero solo sumó una exposición; ahora vuelve a acoger una muestra de la mano de Ars Electronica, el festival más importante del mundo de creación digital.

MASDEARTE
Barcelona vuelve a ser sede de Ars Electronica (10 Septiembre 2021)
Tras el éxito del año pasado, Barcelona vuelve a convertirse, hasta el próximo domingo, en una de las sedes deslocalizadas del Ars Electronica Festival, la cita más importante del mundo dedicada a la creación electrónica y las confluencias entre arte, tecnología, ciencia y sociedad. Celebra su 42ª edición, tanto en Linz (Austria) como en más de cien ciudades alrededor del mundo.

THE NEW BARCELONA POST
Barcelona acogerá uno dels simposios de arte electrónico más importantes del mundo (09 Septiembre 2021)
Ya hace 25 años que ISEA se celebra. 25 años y 25 ciudades diferentes que han sido sede de uno de los simposios de arte electrónico más importantes del mundo. En esta nueva edición será el turno de Barcelona. Del 10 al 16 de junio de 2022 la capital catalana será el punto de encuentro de artistas, diseñadores, científicos y tecnólogos venidos de todas partes para presentar en sociedad sus piezas de arte electrónico y poner en común experiencias y conocimientos para encarar retos de presente y de futuro.

ELLEMENTAL
Arranca Ars Electronica 2021 con ‘gardens’ en más de ochenta países (08 Septiembre 2021)
Una producción aceite de oliva carga con el código que da origen a una criptomoneda. Reconocimientos de imagen se presentan muy lejos de lo ideal. Un viaje en realidad virtual colaborativo por los rincones de Barcelona. Una instalación que se ilumina a mando de nuestro pensamiento.

BETEVÉ
Ars Electronica Garden 2021 (07 Septiembre 2021) de Núria Dias
L‘Ars Electronica Festival celebra del 8 al 12 de setembre l’edició número 42, dedicat a posar en contacte l’art i les tecnologies més avançades amb la mateixa societat que les produeix.
La cita se celebra a Linz, a Àustria, però des de l’any passat també, de manera deslocalitzada, en més de cent ciutats repartides per tot el món, entre les quals Barcelona.

DIARIO DE MALLORCA
Solimán López, artista (01 Septiembre 2021) de Guillem Porcel
«He creado un aceite que contiene en su ADN una criptomoneda».
El artista, recién afincado en Mallorca, fue el primero en vender una obra NFT en ARCO.

CATALAN NEWS
Ars Electronica Garden 2021 (Septiembre 2021)

Pintando con agua y luz

Backup” del artículo original “Pintando con agua y luz” publicado por Roberta Bosco y Stefano Caldana el 16 de diciembre de 2014 en Aquae Blog.

Water Light Graffiti está a mitad de camino entre el ágora y la puerta de tu nevera. Es un lugar dónde puedes dejar mensajes efímeros y también jugar a tres en rayas”. Lo afirma el creador francés Antonin Fourneau a propósito de su más reciente instalación interactiva, Water Light Graffiti. La obra consiste en una pantalla luminosa de dimensiones variables, donde se puede pintar armados tan sólo de un cubo de agua y el instrumento que cada uno prefiera: pinceles, mangueras, pulverizadores o simplemente los dedos mojados.

 

Sencillez, libertad, espontaneidad y participación activa del espectador son las palabras clave que inspiran Water Light Graffiti. La pieza esgrime una sencillez abrumadora también desde el punto de vista tecnológico, ya que la instalación se presenta como una simple pizarra de dimensiones variables, incrustada por miles de LEDs que se iluminan a contacto con el agua. “Cuando el líquido alcanza el marco de un LED, se crea un puente eléctrico que genera la potencia necesaria para iluminar el LED incrustado debajo de la superficie. Cuanto más húmeda es la pizarra más brillante se pone”, explica Antonin Fourneau, que además de artista es docente de Arte Digital en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas (ENSAD) de París.

Aunque se pudo ver durante unos días en el Mobile World Congress de Barcelona, esperemos tener la ocasión de volver a disfrutar Water Light Graffiti en España más tranquilamente. Por el momento y hasta marzo 2015, es posible verlo en la Foundation EDF de París, en el marco de #StreetArt, L’innovation au cœur d’un mouvement, una exposición dedicada a las nuevas tendencias del arte callejero.

Y es precisamente en la relación que se establece entre el espectador y el graffiti que insiste el artista. “Water Light Graffiti es una experiencia mágica, independientemente de la edad del público o de su sensibilidad artística”, indica Fourneau. “Dibujar con la luz a través de un elemento como el agua, que no tiene forma ni color, es un ejercicio que ofrece la posibilidad de apreciar un nuevo tipo de interacción con la arquitectura urbana”, añade el artista, destacando la naturaleza efímera y sostenible de la instalación y las infinitas posibilidades que puede originar. “Se puede experimentar cómo utilizar el agua o jugar con el tiempo y la velocidad de evaporación. Además Water Light Graffiti resulta sorprendentemente sensible a las condiciones meteorológicas y en los días de mal tiempo reacciona de forma autónoma dando vida a una sugestiva lluvia de fuegos artificiales luminosos”, concluye Fourneau, que lleva desarrollando toda su carrera en el marco de las artes digitales e interactivas, haciendo especial hincapié en la participación lúdica del público y las dinámicas creativas que se establecen entre grupos de espectadores.

Actualmente el principal objetivo de Fourneau, que en 2008 realizó una residencia en Medialab-Prado de Madrid con el proyecto Oterp (un juego de música geolocalizado), es seguir desarrollado el Water Light Graffiti, exprimiendo todas sus potencialidades. Por ejemplo, con la colaboración de la productora parisina Art2M está investigando las posibilidades que ofrecen los distintos tamaños de la pizarra electrónica y el uso de diferentes líquidos. “Puede ser integrado en cualquier lugar y espacio arquitectónico e incluso convertirse en un objeto manejable, útil para dejar notas y mensajes en ambientes domésticos o profesionales. También estoy investigando con elementos húmedos, como glicerina y geles que pueden mantenerse estables durante mucho más tiempo que el agua”.

A lo largo de 2015, Water Light Graffiti participará en numerosos festivales y exposiciones internacionales de ciudades como Estambul, Cambridge, Miami, Túnez y Abu Dabi, empezando el próximo enero con el Lux Festival de Helsinki (Finlandia).

Ars Electronica Barcelona Garden: Algorave y Workshop

El Ars Electronica Garden Barcelona 2020 termina con una Algorave y un taller de Kenneth Dow en Hangar.

ALGORAVE

Concierto en directo a cargo de Toplap Barcelona. Organizado por Hangar.

Jueves 10 de septiembre de 21.30 a 23.30 h. en Hangar.
Entrada gratuita – Aforo limitado

El evento más festivo del Garden Barcelona será una Algorave, un concierto de música por ordenador programada en tiempo real por Toplap Barcelona. El evento reúne la improvisación y las potencialidades del código en una sesión de programación en vivo que se remite a los lenguajes y los rituales de la pista de baile. Durante la escritura y la lectura en vivo del código, y el desarrollo de la improvisación musical, el público escucha y baila, contribuyendo a crear una gran fiesta.

 

TALLER

Presiona mis teclas. Hackear teclados numéricos

Sábado 12 de septiembre de 12.00 a 14.00 h. en Hangar
Actividad gratuita previa inscripción

Taller impartido por Kenneth Dow, artista alemán residente en Hangar, sobre cómo hackear un teclado para convertirlo en un secuenciador o cualquier otro mando para sintetizadores. Esta transformación se puede llevar a cabo de manera que no se requiera pantalla, creando un enlace directo entre el teclado y el sonido, directamente relacionado con el oído y la memoria del músico. El taller se centrará en la concepción de interfaces musicales y su implementación en diferentes hardware. ¡Cuidado! Los teclados de ordenador no son adecuados para este taller, se pueden usar teclados numéricos, pulsadores, timbres, simples mandos e incluso juguetes.

Todos los TAXIS de Ars Electronica Garden Barcelona

Barcelona se convierte en una de las principales sedes deslocalizadas del Ars Electronica Festival, la manifestación más importante del mundo dedicada a las interconexiones entre arte, tecnología y sociedad, que celebra su 41ª edición en Linz (Austria) y 120 ciudades alrededor del mundo, del 9 al 20 de septiembre. La participación de Barcelona se plasma en un programa de actividades que pone de manifiesto la diversidad, la riqueza y el dinamismo de la escena creativa barcelonesa y catalana, surgida en la confluencia entre arte y tecnología.

A la programación se suma un conjunto de Taxis, tal y como su nombre indica los Taxis son cápsulas audiovisuales, disponibles en de la web de Ars Electronica y del YouTube del Institut Ramon Llull, que llevarán el público de visita virtual por los estudios de algunos de los artistas más relevantes de la escena electrónica y digital de Barcelona. Las entrevistas han sido realizadas por Antonia Folguera.

 

TODOS LOS TAXIS

 

  • Teaser Ars Electronica Garden Barcelona 2020
  • Introducción al Ars Electronica Garden Barcelona por Pau Alsina
  • Entrevistas con Lluís Nacenta, Andreu Rodríguez, Jose Ramón Calvo y Pau Alsina
  • El Ars Electronica Garden Barcelona Show por Roberta Bosco, Vicente Matallana, Mónica, Rikić, Albert Barqué-Duran & Marc Marzenit, Roc Parés y Santi Vilanova (Playmodes).

 

 

TODOS LOS ARTISTAS

 

  • Antoni Muntadas
  • Antoni Abad
  • Josep Manuel Berenguer
  • Marcel·lí Antúnez
  • Eugènia Balcells
  • Joan Fontcuberta
  • Mario Santamaría
  • Alba G. Corral
  • Playmodes (Eloi Maduell + Santi Vilanova)
  • 300.000 Kms (Mar Santamaria + Pablo Martínez)

 

Todos los Videos de las Mesas Redondas @ Ars Electronica Garden Barcelona

Roundtable On Bio_Sonic_Agencies PHOTO © Luciana Della Villa

Resumen y videos de todas las mesas redondas del Ars Electronica Garden Barcelona 2020. Las mesas han sido presenciales y gratuitas previa inscripción. Han tenido lugar en el Disseny Hub Barcelona y han sido retransmitidas en streaming a través de la web de Ars Electronica y del YouTube del Institut Ramon Llull.

 

A propósito de las Bio Sonics Agencies
Miércoles 9 de septiembre 15.30 h.

Brandon LaBelle, autor de Sonic Agency, conversará con artistas que trabajan con los biomateriales, los sonidos y la escucha crítica con el objetivo de articular otras posibles relaciones entre los seres humanos, la naturaleza y los agentes no humanos. En Sonic Agency, LaBelle destaca las cualidades invisibles, disruptivas y afectivas del sonido y se pregunta si su naturaleza invisible podría apoyar una transformación política. En un mundo dominado por lo visual, ¿podrían las resistencias contemporáneas ser auditivas?

Participantes: Brandon LaBelle (EE. UU.), Robertina Šebjanič (SI), Oscar Martín (ES), Vanessa Lorenzo (ES), moderada por Laura Benítez (ES).

 

Arte y ciencia de la ecología política de los desastres
Miércoles 9 de septiembre 18.00 h.

Las catástrofes y la vulnerabilidad han puesto en primer plano la urgencia de actuar contra las consecuencias del Antropoceno. En esta mesa, artistas, científicos y teóricos explorarán algunos de los futuros posibles, a partir de las interacciones entre los sistemas biológicos y ecológicos, pero también con la ecología de los medios y en el marco de una ecología relacional de prácticas donde convergen arte, ciencia y tecnología.

Participantes: Joana Moll (ES), Andy Gracie (UK), Israel Rodríguez (ES), Ingrid Guardiola (ES), Vanina Hofman (AR), moderada por Pau Alsina (ES).

 

Una revolución incierta pero irresistible
Miércoles 9 de septiembre 20.00 h.

En un mundo tecnológico en el cual el presente se ha eternizado y el olvido es la seguridad de la próxima innovación, lo que llamamos realidad es un magma en el que flotan un sinfín de imágenes, datos, informaciones parciales, flashbacks y promesas de liberación. Este hecho requiere que encontremos otras reglas, otras dinámicas de lectura y nuevas formas de mirar a través de caminos inesperados.

Participantes: Xavi Cardona/Boldtron (ES), Enric Godes/Vasava (ES), Carla Cascales (ES), moderada por Héctor Ayuso (ES).

 

Frente a la incertidumbre y sus descontentos
Jueves 10 de septiembre 15.30 h.

Cada vez más estamos acostumbrados a lidiar con eventos cuyo desarrollo es impredecible. Sin embargo ¿qué significa vivir en un contexto de extrema incertidumbre? ¿Cómo podemos manejar el riesgo de la incertidumbre? ¿Qué es lo que las artes, las ciencias, las tecnologías y el pensamiento han aprendido de la incertidumbre y cómo la han introducido en sus prácticas? En esta mesa se explorarán algunos posibles enfoques de este tema en el contexto global.

Participantes: Roc Parés (ES/MX), Marina Garcés (ES), Joan Soler-Adillon (ES), Tere Badia (ES), Pau Waelder (ES), moderada por Pau Alsina (ES).

 

A propósito del código. La incertidumbre del significado y la acción
Jueves 10 de septiembre 18.00 h.

¿Cómo interfiere el código con el proceso de escucha? El código permite que el oído navegue por la interfaz de escucha, mientras que limita su alcance sensible. El código atraviesa la interfaz, la membrana que separa pero también conecta, desplegando la vibración del aire, la zona de interacción, negociación y distribución de atención y significados, entre el (des)orden de los sonidos emitidos y escuchados.

Participantes: Lina Bautista (CO), Daniel Moreno Roldán (ES), Agnès Pe (ES), Lluís Nacenta (ES), Angel Faraldo moderada por Carolina Jiménez (ES)

Juegos para sibaritas del arte

Backup” del artículo original “Juegos para sibaritas del arte” publicado por Roberta Bosco y Stefano Caldana el 17 de Marzo de 2014 en Absolut Network.

¿Quién puede negar que el juego sea arte? A pesar de que a lo largo de unas décadas los videojuegos fueron tachados de distracción y amenaza para la correcta formación de los jóvenes estudiantes, en los últimos años con la eclosión de los serious games, el mundo de los videojuegos se ha enriquecido de componentes educativas. Arte y juego son un binomio indisoluble. Comparten muchos fundamentos, especialmente, el reto de comunicar y activar la reflexión. Con la llegada del arte basado en las tecnologías informáticas también los videojuegos han evolucionado derivando hacia la producción artística.

Una de las más importantes citas internacionales del entretenimiento lúdico e inteligente es el Independent Games Festival (IGF), un certamen pionero que entre el 17 y el 21 de marzo celebrará su 16ª edición en San Francisco. Organizado por la plataforma UBM Tech, creadora de Gamasutra.com y de la Game Developers Conference, el IGF apoya la innovación en el ámbito del desarrollo de los videojuegos desde una perspectiva ajena a las dinámicas del sector comercial. Además de dar a conocer lo mejor de la producción internacional ofrece cada año unos cuantiosos premios repartidos en numerosas categorías: desde los 30.000 dólares del Seumas McNally Grand Prize, hasta los 3.000 dólares de los premios Excellence In Visual ArtExcellence in Design o Excellence in Narrative y varios premios menores para los trabajos de estudiantes y jóvenes programadores.

Los finalistas ya han sido escogidos  por el jurado y los ganadores se darán a conocer en la gala del 19 de marzo que se podrá seguir en directo a través de Internet. Nosotros os ofrecemos una panorámica de las propuestas más interesantes, empezando por los finalistas en Excellence In Visual Art, que este año marca el regreso de Amanita Design o como nos gusta definirles, los ‘checos lisérgicos’. Se trata de un colectivo fundado en 2003 en Praga por Jakub Dvorsky, que durante más de una década se ha elevado al rango de estrella de los videojuegos independientes con una serie de creaciones inteligentes y entretenidas. Entre sus obras destaca la saga de Samorost, que tomó forma a partir de la tesis de licenciatura de Dvorsky en la Academia de Artes, Arquitectura y Diseño de Praga y muy rápidamente se convirtió en un proyecto de culto.

En la actual edición del Independent Games Festival, Amanita Design regresa con la tercera entrega de Samorost, que presentará en primicia a la espera del estreno oficial, previsto para 2015. Samorost 3 se anuncia otra vez como una apasionante mezcla de juego y película de animación, que cuenta las aventuras del duende independiente más célebre de la red, que en 2007 con Samorost 2 fue galardonado con el prestigioso Webby Award.

Más allá del cariño por las producciones de los checos lisérgicos, entre las demás propuestas nos ha llamado la atención The Stanley Parable, un juego gratuito en su versión demo, producido por los estadounidenses Galactic Cafe, que se anuncia como uno de los grandes triunfadores de la edición 2014 del Independent Games Festival. Además de optar al Grand Prize de 30.000 dólares, The Stanley Parable está también entre los candidatos al galardón en la categoría Excellence in Narrative y Excellence in Audio, con una original propuesta entre aventura y juego de estrategia en primera persona. El usuario toma el papel de Stanley, el empleado del despacho 427, para descubrir una realidad paralela y claustrofóbica en una empresa laberíntica, encerrada entre paredes que anulan cualquier esperanza de escape, casi un mundo orwelliano donde nada es lo que parece.

Volviendo a los finalistas de la categoría Excellence in Visual Arts, puede que entre los triunfadores esté también el sueco DEVICE 6 de Simogo, un colectivo fundado en Malmö, en 2010, por Simon Flesser y Magnus ‘Gordon’ Gardebäck.

DEVICE 6, que aspira a cuatro galardones, se presenta como un thriller surrealista, estructurado alrededor de unos enigmas, centrados en la tecnología y la neurociencia con un enfoque muy narrativo y textual, casi un ejercicio de literatura expandida donde las palabras son al mismo tiempo coordenadas e indicios. DEVICE 6 funciona con iPhone e iPad y está disponible en el APP STORE por 3.99 euros.

Es gratuito Drei, descargable en el APP STORE para dispositivos iPad, un juego de estrategia de reminiscencias bíblicas donde tres ‘constructores/jugadores’ tienen que colaborar para desafiar la ley de gravedad y elevar una torre compartiendo lógica y estrategia. Drei funciona de manera remota permitiendo el juego contemporáneo de otros usuarios a través de Internet. Ya que la historia nos ha dejado claro que elevar una torre entraña dificultades infranqueables, sobre todo si hay que hacerlo entre persona de diferentes países, los creadores de la compañía suiza Etter han integrado al juego soporte para 18 idiomas diferentes.

Es gratuito para un tiempo limitado, porque está todavía en desarrollo, Mac Gorogoa, un juego disponible para Windows, concebido por el ilustrador Jason Roberts y Eduardo Ortiz FrauMac Gorogoa se presenta como un mundo de dibujos y se desarrolla como si se tratara de un puzzle. El jugador tiene que desenvolverse desplazando unos elementos visuales parecidos a marcos virtuales, que se convierten en ventanas hacia otros niveles del juego.

Finalmente en la categoría Nuovo Award, queremos destacar la presencia de la más reciente creación de Tale of Tales, nombre artístico de la pareja formada por Auriea Harvey y Michael Samyn, destacados pioneros del net.art en la década de 1990, que celebran los 10 años en el mundo de la producción de videojuegos alternativos con Luxuria Superbia.

Disponible en el APP STORE, prácticamente para cualquier dispositivo existente (iPhone, iPad, Android, Windows, Linux y Mac), por tan solo 3.99 dólares, Luxuria Superbia es un simple juego para pantalla táctil, concebido como “una experiencia de interacción y un viaje musical desde lo sensual a lo espiritual”, según aseguran sus autores Auriea Harvey y Michael Samyn.
Para cerrar os invitamos a descubrir los demás finalistas y a seguir la entrega de los galardones a los ganadores, que como cada año será trasmitido en Twitch y en Gamespot a las 6:30 PM (Pacific Time) del próximo miércoles 19 marzo, en España las 3.30 AM del jueves 20 marzo.

+ info: Independent Games Festival (IGF)

Madrid: creativa, sostenible y alternativa

Backup” del artículo original “Madrid: creativa, sostenible y alternativa” publicado por Roberta Bosco y Stefano Caldana el 19 de Febrero de 2014 en Absolut Network.

Un taxi para visitar lugares remotos sin salir del barrio, un cajero que plantea el tiempo como una unidad monetaria alternativa o unos prismáticos que remplazan el contenido de las pancartas publicitarias. Son sólo algunas de las cautivadoras propuestas que se presentan en la Feria Internacional Ciudad Creativa (Creative City Fair), un evento “que sitúa Madrid en el epicentro del conocimiento y las soluciones para ciudades inteligentes”, en palabras de sus impulsores, los artistas y comisarios Gustavo Romano y Daniel García Andújar. Seguir leyendo

Este año VIDA es mujer

Backup” del artículo original “Este año VIDA es mujer” publicado por Roberta Bosco y Stefano Caldana el 9 de Diciembre de 2013 en Absolut Network.

VIDA, el prestigiosos y único Concurso Internacional Arte y Vida Artificial, organizado por Fundación Telefónica de Madrid este año habla en femenino. No sólo por la dirección artística del certamen, que reconoce los mejores proyectos artísticos realizados con conceptos y técnicas de vida artificial, encargada desde 2010 a Mónica Bello, sino también porque la mayoría de los galardones reconocen la creatividad de las mujeres en el sentido más amplio del término. Seguir leyendo