Tra le numerose iniziative dell’Anno Gaudí, che ricorda l’architetto modernista nel centenario della morte, anche una mostra e un congresso internazionale.
Proprio il giorno in cui è stato posizionato il primo elemento della croce della Torre di Gesù Cristo, che segna l’inizio della fase conclusiva della costruzione del pinnacolo più alto della Sagrada Familia di Barcellona, è stato presentato il programma dell’Anno Gaudí (Any Gaudí), promosso dall’Assessorato alla Cultura della Generalitat de Catalunya per commemorare il centenario della morte dell’architetto catalano Antoni Gaudí (Reus, 1852-Barcellona, 1926).
“Backup” del artículo original “¿A qué suena un río contaminado?” publicado por Roberta Bosco y Stefano Caldana el 28 de mayo de 2015 en Aquae Blog. (PDF)
Casi olvidados por el imaginario geográfico colectivo, que los considera a menudo lugares contaminados, donde deshacerse de los desperdicios, más que entornos idílicos y placenteros, los ríos protagonizan una obra que transforma las propiedades químicas de sus aguas en música.
Como sugiere su nombre, BioSoNot 1.2 es un instrumento sonoro y biológico que genera música de forma autónoma, alimentado por los elementos contaminantes presentes en el agua. Concebido por el artista mexicano Gilberto Esparza en colaboración con el ingeniero de sonido Daniel Llermaly, BioSoNot 1.2 se exhibe en Cuba en el marco de la duodécima edición de la Bienal de La Habana, donde el instrumento funcionará gracias a las propiedades químicas de las aguas recolectadas en el Río Luyanó.
“Según estudios de la Facultad de Biología de la Universidad de La Habana, en su recorrido el Río Luyanó recibe altas concentraciones de desechos fecales e industriales. Esto provoca un desequilibrio y genera la proliferación indiscriminada de bacterias anaeróbicas que causan el colapso de varias especies y constituyen un foco de infección que afecta las zonas urbanas y los parques recreativos”, explica Gilberto Esparza destacando que las aguas contaminadas, además de ser las máximas responsables del impacto ecológico en la bahía de la Habana, abastecen también zonas de cultivos, afectando así también la calidad de los alimentos.
BioSoNot 1.2, que se estrenó en la inauguración de la Bienal de La Habana con una acción sonora en vivo, seguirá funcionando por su cuenta hasta el final certamen como instalación, acompañado por un vídeo que ilustra el proceso de recolección de las aguas en distintos tramos del Río Luyanó.
BioSoNot 1.2 de Gilberto Esparza
Desde un punto de vista técnico, BioSoNot 1.2 genera sonidos gracias a la energía derivada de la actividad de las bacterias presentes en las aguas residuales. “Lo que hago es utilizar agua contaminada, rica en material orgánico y bacterias. El instrumento almacena el agua en las celdas de combustible microbianas, pequeños compartimentos donde las bacterias proliferan, hasta colonizar los terminales de las celdas. En su proceso metabólico estas bacterias liberan energía eléctrica, alimentándose del material orgánico presente en el agua. Éste flujo de electrones es conducido a una serie de circuitos que traducen las señales eléctricas en sonidos”, indica Esparza, esclareciendo el proceso que le permite interpretar de manera sonora, los niveles de contaminación hídrica.
“Cada río es diferente y posee su propia sonoridad dependiendo de los tipos de contaminantes y las características específicas del agua. Este instrumento es una especie de pretexto para proponer un mayor acercamiento al tema de la contaminación hídrica y a las comunidades afectadas», añade Esparza que representa México en la edición 2015 de la Bienal de La Habana junto con Carlos Amorales, Dr. Lakra, Héctor Zamora, Sandra Calvo y el colectivo La Curtiduría.
Desde las investigaciones sostenibles de Arcángel Constantini y las reflexiones sobre la contaminación de la industria petrolera de Matt Kenyon, hasta la denuncia del degrado de los océanos de Daniel Canogar y las alternativas para la regeneración de los suelos contaminados de Cecilia Jonsson, pasando por la medición creativa de la calidad del aire de Madrid de Kepa Landa, en este espacio de la Fundación Aquae hemos puesto de manifiesto en varias ocasiones el interés de los artistas por la emergencia ecológica. Un interés que sin duda demuestra un estrecho compromiso con el medioambiente y la voluntad de numerosos creadores de la escena electrónica y digital de emplear la tecnología, en que se basa su proceso creativo, también de una manera sostenible.
Plantas autofotosintéticas de Gilberto Esparza
Gilberto Esparza, pionero en este campo, ha desarrollado toda su trayectoria alrededor de la sostenibilidad y la denuncia de los desequilibrios y las inexorables repercusiones de la actividad humana sobre el medioambiente. Como vimos recientemente en Cultivos, la primera exposición monográfica de gran envergadura sobre el trabajo de Gilberto Esparza, organizada por la Fundación Telefónica de Lima (Perú), con sus investigaciones sobre energías alternativas el artista quiere demostrar que la tecnología debería ser el punto de partida para el desarrollo de herramientas inéditas y de una industria que no sólo sea respetuosa con los ecosistemas, sino que ofrezca alternativas como generar energía limpia a partir de los contaminantes vertidos en el medioambiente. BioSoNot 1.2 es un proyecto surgido, como otras propuestas del artista mexicano, a partir de la reflexión sobre el posible empleo de las aguas residuales. Entre estas obras destacan las célebres y multipremiadas Plantas Nómadas y las más reciente Plantas autofotosintéticas, una instalación que se estrenó en Cultivos y que acaba de recibir el Golden Nica, el máximo galardón concedido en la categoría Hybrid Art de los prestigiosos Prix Ars Electronica, que reparte anualmente el homónimo centro de Linz en Austria.
“Con propuestas como la de Gilberto Esparza, la Bienal de La Habana pretende implicar el arte con la arquitectura, el diseño, la comunicación, las ciencias y las formas en que se construye el hábitat. El arte ha trascendido las limitaciones epistemológicas inherentes a otras disciplinas, su condición simbólica le permite determinadas licencias a la hora de combinar saberes. Por eso, más que nombrar las prácticas, nos interesa acompañar procesos de creación transdisciplinarios y de intermediación que impliquen colaboraciones tanto investigativas como de carácter pedagógico”, concluye el equipo curatorial de la Bienal de La Habana.
Attraverso due figure chiave del XX secolo il Museo Thyssen-Bornemisza rifiuta un tema centrale della storia dell’arte: la separazione canonica tra arte astratta e arte figurativa.
«Ricominciare a guardare, avere il coraggio di contemplare, oggi, è un atto sovversivo. Se stiamo rivisitando la storia dell’arte da diversi punti di vista, allora perché non affrontare un dibattito centrale: figurativo versus astratto, attraverso due figure chiave dell’arte del XX secolo, Jackson Pollock e Andy Warhol». Lo afferma Estrella de Diego, cattedratica, critica e teorica dell’arte, curatrice di «Warhol, Pollock e altri spazi americani» (dal 21 ottobre al 25 gennaio 2026), la mostra che apre la stagione espositiva del Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid.
Parte dal Centro Kbr, per poi approdare a Madrid, Rotterdam, Winterthur e Berlino, la mostra che ripercorre la carriera della fotografa statunitense attraverso i suoi archivi personali, per la prima volta aperti al pubblico.
Il KBr, il centro per la fotografia della Fundación Mapfre a Barcellona, presenta dal 23 settembre al 25 gennaio una grande retrospettiva di Helen Levitt (New York, 1913-2009), figura chiave della fotografia del XX secolo. Attraverso più di 220 immagini, selezionate da Joshua Chuang, direttore di fotografia della Gagosian Gallery, la mostra offre uno sguardo unico sull’universo visivo di un’artista che ha saputo trovare la poesia nelle strade, il fascino nella vita quotidiana e la bellezza nelle persone comuni.
El Instituto Cervantes presenta la exposición Aeolia (27 Nov 2025 – 03 Mar 2026) del artista Solimán López y comisariada por Roberta Bosco. Concebido expresamente para la sede central del Instituto Cervantes en Madrid, Aeolia abre el ciclo Paisajes intangibles con su primera muestra.
Aeolia es un aerogenerador de textos que se plantea volver a escribir El Quijote. Aeolia captura la esencia del Quijote a través de una interpretación contemporánea que refleja tanto el pasado medieval como el futuro tecnológico, sugiriendo así la transformación del mito en el contexto del mundo moderno. (mas información)
Aeolia: la obra que pone en evidencia cómo la IA reescribe nuestra realidad sin que lo sepamos
La instalación Aeolia, de Solimán López, no busca reescribir el Quijote por mero capricho ni por un gesto decorativo de actualización del clásico. La obra revela cómo la inteligencia artificial interviene de forma invisible en nuestro día a día, modulando lo que vemos, lo que creemos y, en última instancia, lo que pensamos. Igual que nuestros teléfonos filtran y reorganizan el mundo según nuestras elecciones y según lo que los sistemas necesitan que percibamos, Aeolia despliega una estrategia de seducción mínima: unas plumas livianas que atraen al visitante, casi como un juego inocente, invitándolo a soplar. Y es en ese gesto, aparentemente trivial, donde opera el verdadero núcleo crítico de la pieza: cada soplo, cada interacción, activa un proceso automático que reescribe El Quijote desde parámetros preconfigurados: género, ecología, política, sensibilidad contemporánea. El visitante cree jugar; en realidad, participa sin saberlo en un mecanismo que altera un texto canónico bajo la lógica de un sistema que decide qué debe aparecer y cómo. López convierte así la sutileza de la manipulación digital cotidiana en una experiencia física y poética: Aeolia no reescribe Cervantes, sino que nos confronta con el hecho de que hoy ya vivimos en un mundo donde todo se reescribe constantemente sin que nos demos cuenta.
Estamos encantados de participar como parte del equipo curatorial en Thomas Nölle, My Way (1956–2019), la exposición inaugural de Lux 48, el nuevo centro dirigido por Claudia Giannetti. La muestra abrirá al público el martes 2 de diciembre a las 19:00 h y podrá visitarse del 3 de diciembre de 2025 al 13 de marzo de 2026.
Esta primera exposición en Lux 48 presenta una cuidada selección de obras del acervo de Thomas Nölle, realizada por un amplio equipo curatorial compuesto por N. Aramburu, N. Baitello Jr., R. Bosco, S. Caldana, G. Caprín Zara, M. Carrasco, N. Casares, Joan Cruspiera, A. Pakula, A. Esquerra-Torrescana, C. Fadon, A. Franco (in memoriam), C. Gasparinho, A. Montesinos, M. Pallier, J. Pech, U. Pistolo Eliza, S. Sabini y A. Vega.
La exposición incluye además la presentación de su Catalogue Raisonné, estructurado en tres volúmenes:
Vol. 1 – Selbst | Self-portraits, 1964–2020
Vol. 2 – Photography | The Early Works, 1963–1973
Vol. 3 – Artworks, 1965–1984
Celebramos profundamente la oportunidad de contribuir a este homenaje inaugural, que no solo revisita la trayectoria de Nölle, sino que, teniendo muy presente la falta irremplazable de su presencia, preserva y proyecta su legado en un espacio concebido para revitalizar el pensamiento crítico, la imagen y la creación contemporánea en Madrid.
Quattro mostre a Palma di Maiorca celebrano l’artista che trascorse sull’isola baleare la maggior parte della sua vita.
In catalano «guspira» significa «scintilla». Joan Miró (Barcellona, 1893-Palma di Maiorca, 1983) diceva che ogni opera sorge da una scintilla ispiratrice che normalmente era un oggetto trovato per caso, ma anche una fotografia o una semplice cartolina. La maggioranza di questi oggetti li conservava nei due studi e nella casa di Palma di Maiorca, dove trascorse gran parte della sua vita. Fino all’11 gennaio2026 alcuni dei più significativi di questi oggetti si possono vedere accanto all’opera che hanno contribuito a creare nella mostra «La guspira màgica», nella Fondazione Miró di Palma. Si tratta della rassegna più importante delle quattro di «Paysage Miró» (continua)
Hauser & Wirth presenta nella sua sede di Minorca una grande retrospettiva della fotografa statunitense dai mille volti e dalle mille identità, la prima in Spagna negli ultimi 20 anni.
Figure femminili con eleganti abiti di haute couture, sullo sfondo di paesaggi vasti e inospitali, accolgono il visitatore della sede di Hauser & Wirth dell’Illa del Rei nel porto di Maó a Minorca. Sono fotografie di grande formato, che presentano figure stranamente dislocate, come se fossero state sovrapposte digitalmente a paesaggi insulari. Si tratta di «Ominous Landscape», una selezione di immagini che la fotografa statunitense Cindy Sherman (1954) realizzò nel 2010 con abiti e accessori scelti dagli archivi della maison Chanel: dai vestiti anni ’20 disegnati dalla stessa Coco Chanel, alle creazioni contemporanee di Karl Lagerfeld. Il mondo della moda apre questa grande mostra, la prima monografia in Spagna di Cindy Sherman, da quella che le dedicò il Museo Reina Sofia di Madrid nel 1996. In questa serie di fotografie, i lussuosi abiti creano un sorprendente contrasto con la desolata intensità dei paesaggi che li circondano, mentre le figure femminili incombono più grandi del loro ambiente naturale, alterando i ruoli della gerarchia romantica.
La designer, che ha concepito la mostra in ricordo di suo fratello Claude, espone al Museu Picasso di Barcellona opere della famiglia mai viste in pubblico prima d’ora.
«Ero una bambina silenziosa e osservatrice, non mi ribellavo, ma non obbedivo. Non è facile essere figlia di Pablo Picasso, ma neanche di Françoise Gilot, eppure ho sempre avuto la coscienza del privilegio che significava». Paloma Picasso sgrana i suoi ricordi e rivela gli aspetti più intimi della sua infanzia nella mostra «Crescere tra due artisti» che ha curato insieme a Emmanuel Guigon, direttore del Museu Picasso di Barcellona, dove si può visitare fino al 26 ottobre. La mostra, concepita come omaggio a suo fratello Claude, morto due anni fa a pochi mesi di distanza dalla madre (scomparsa a 102 anni) e dalla sorellastra Maya, figlia di Marie-Therèse Walter, presenta un centinaio di opere, tra pitture e disegni, la maggior parte delle quali appartengono alla famiglia e sono praticamente inedite per il pubblico.(continua)
Nella Fundació Miró di Barcellona l’artista torinese ha realizzato un’installazione inedita che in autunno sarà trasformata in un parco infantile
Al di là dei luoghi comuni sulla fratellanza tra Italia e Spagna, per quanto riguarda l’arte visiva le relazioni tra i due Paesi non sono particolarmente intense. Per questo suscita uno speciale interesse «Constructoras de mundos muy parecidos al nuestro»(Costruttrici di mondi molto simili al nostro), la mostra che l’italiana Ludovica Carbotta (Torino, 1982) presenta dall’11 luglio al 2 novembre, nell’Espai 13 della Fundació Miró di Barcellona. La rassegna, che fa parte del ciclo «Cómo desde aqui» (Come da qui), curato da Carolina Jiménez, propone uno sguardo critico e ludico allo stesso tempo sulla città, intesa come spazio di mediazione e frizione, d’incontro e scontro. «La mia è una rappresentazione dello spazio pubblico abitata da oggetti disturbanti, macerie, residui di storie parallele ed elementi di proteste passate e presenti, dalla guerra di Iraq al genocidio del popolo palestinese», spiega l’artista, che vive a Barcellona ormai da otto anni ed è rappresentata da Bombon projects, una delle più brillanti gallerie cittadine attive anche sulla scena internazionale. (continua)
– 6,5 milioni di euro per commemorare Antoni Gaudí (Il Giornale dell’Arte – 20/10/2025)
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El Arte en la Edad del Silicio 